Institut für Raumexperimente

Aykan Safoǧlu

20. November 2013 / Acting Archives ⟶

Aykan Safoğlu: Off-White Tulips (Kırık Beyaz Laleler), 2013, HD, Colour, 24´, Turkish; English s.t. Aykan Safoǧlu Off-White Tulips, 2013 Off-White Tulips is a tribute to the US-American writer James Baldwin. In this dense video essay, the artist links Baldwin’s self-imposed exile in Turkey with his own biographical details and an exploration of his native country. With the help of old photographs, we follow the path through Istanbul equally of James Baldwin as much as of Aykan Safoǧlu and his family. The emphasis on both personal stories quickly begins to blur fact and fiction. Safoǧlu calls this form biomythography – a type of invented life story coined by the American writer and activist Audre Lord, who described herself as a ‘black lesbian feminist mother warrior poet’. Off-White Tulips looks at history from marginal perspectives in order to explore alternative interpretations of cultural artefacts and differences, queer politics and identity. It is concerned with black survival strategies in a white mainstream. The film was awarded the Oberhausen Grand Prize at the Short Film Festival in Oberhausen in 2013. Aykan Safoğlu Aykan Safoğlu is an artist and short film maker Ausklappen... Aykan Safoğlu is an artist and short film maker based in Berlin. After graduating from Istanbul Bilgi University, where he studied film, he completed his master′s degree in "Art in Context" at the University of the Arts Berlin in 2010. He also completed his MFA in Photography at Bard College in New York in 2013. Since 2005, Safoğlu has made several short films, published articles and reviews in various magazines. He has participated in many group exhibitions and curated them. In 2013, he received the Grand Prize of the City of Oberhausen in the 59th international Short Film Festival Oberhausen for his short film "Kırık Beyaz Laleler / Off-White Tulips." Safoğlu was awarded a 2014 residency at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam. He is a member of the curatorial collective “ğ” (soft g). Aykan Safoğlu: Off-White Tulips (Kırık Beyaz Laleler), 2013, HD, Farbe, 24´, Türkisch; Englisch s.t. Aykan Safoǧlu Off-White Tulips, 2013 Off-White Tulips ist ein Homage an den amerikanischen Autor James Baldwin. In einem dichten Videoessay verbindet der Künstler Baldwinds selbstauferlegtes Exil in der Türkei mit Details aus seiner eigenen Biografie und einem Blick auf sein Heimatland. Mithilfe alter Fotografien folgen wir James Baldwin und Aykan Safoǧlu und dessen Familie gleichermaßen durch Istanbul. Der Fokus auf die persönlichen Geschichten von beiden lässt Fakt und Fiktion schnell verschwimmen. Safoǧlu nennt diese Form Biomythografie – eine Form der fiktiven Lebensgeschichte, begründet von der amerikanischen Autorin Audre Lord, die sich selbst als “black lesbian feminist mother warrior poet” bezeichnet. Off-White Tulips blickt aus marginalisierten Perspektiven auf die Geschichte um daraus alternative Interpretationen kultureller Artefakte und Differenzen sowie von Queer Politik und Identität zu ziehen. Das Werk befasst sich mit schwarzen Überlebensstrategien innerhalb eines weißen Mainstreams. Der Film wurde mit dem Oberhausen Grand Prix beim Kurzfilm-Festival 2013 in Oberhausen ausgezeichnet. Aykan Safoğlu Aykan Safoğlu ist Künstler und Kurzfilmer Ausklappen... Aykan Safoğlu ist Künstler und Kurzfilmer. Er studierte Film an der Istanbul Bilgi Universität und schloss 2010 den Masterstudiengang Kunst im Kontext an der Universität der Künste ab. Es folgte ein MFA Abschluss in Fotografie am Bard College in New York im Jahr 2013. Seit 2005, hat Safoğlu mehrere Kurzfilme realisiert, und in verschiedenen Magazinen Artikel und Essays veröffentlicht. Er hat an zahlreichen Gruppenausstellungen teilgenommen und ebenso kuratiert. 2013 erhielt er den Großen Preis der 59. Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen für seinen Kurzfilm "Kırık Beyaz Laleler / Off-White Tulips". Safoğlu wurde 2014 mit einem Stipendium der Rijksakademie in Amsterdam ausgezeichnet. He ist Mitglied des Kuratornkollektives “ğ” (soft g).

Archives Acting

20. - 22. November 2013 / Acting Archives, Ausstellung, Marathon ⟶

Archives Acting is an exhibition curated on occasion of the Archives Works Marathon and hosted at the Institut für Raumexperimente and the Grey Sheep project housed at Studio Olafur Eliasson. Archives Acting is choreographed by Eric Ellingsen and Christina Werner with contributions by Aeaeaeae, Hans-Henning Korb, Robert Lippok, and Raul Walch; Clara Jo and Robert Lippok; Salem Mekuria; Felix Melia; Natasha Mendonca and Olga Robayo; Netsa Art Village, Mihret Kebede, and Robel Temesgen; Emeka Ogboh; Elvira Dyangani Ose and Pere Ortín; Aykan Safoǧlu; Daniela Seel, Rike Scheffler, Ernesto Estrella, and Sis Matthé; Diana Sprenger and Euan Williams; and Kat Válastur. Aeaeaeae, Hans-Henning Korb, Robert Lippok, and Raul Walch Molding Versions into Reality, 2012-2013 Everything is knot together here. Everything hanging here comes from Ethiopia, even the things that come from China, and this is reality. This is the sound of reality snared and knotted together from stories and streets and markets and roundabouts in Addis Ababa. This is archive’s opposite, a moment of chaotic similarities. A sound installation as part of the Grey Sheep project. Tainá Guedes, Asako Iwama, Lauren Maurer, and Lynn Peemoeller f : O O D, 2013 Served in the context of the marathon days, these taste memory experiments, recipes, menus, and thoughts are provided by Tainá Guedes, Asako Iwama, Lauren Maurer, and Lynn Peemoeller. Menu designed by Thomas Meyer. Clara Jo and Robert Lippok 24h Dahlem, Kapitel 1: Nacht, 2013 24h Dahlem centres on the controversial re-location of the ethnographic collections of the Dahlem Museums to the future site of the Humboldt Forum in Berlin’s city centre. Combining material from two archives within the Ethnological Museum and the Museum for Asian Art, the resulting large-scale video installations are presented in three chapters in the Dahlem Museum. 24h Dahlem was produced in the context of the Humboldt Lab Dahlem, a project of the German Federal Cultural Foundation and the Prussian Cultural Heritage Foundation. Director: Clara Jo; sound design & audio archive composition: Robert Lippok; director of photography: Michael Laakmann Felix Melia A Day Like Any Other, 2013 A Day Like Any Other is a video work comprised of appropriated video and audio from the Aquis Bryant film Hood 2 Hood: The Blockumentary and Samuel Beckett’s Endgame. The video draws a comparison between the repetitive, cyclical nature of events in Beckett’s play and the similarly recurrent explanations and stories of ‘real’ life in Hood 2 Hood, stories that allude to the sedentary metaphysics and social immobility imposed upon its protagonists. The words ‘all day everyday’ literally encircle the imagery of the work. A commonly employed assertion within the appropriated footage, these words describe a refusal to give in, while highlighting the limited dynamic of the environments the protagonists inhabit. Salem Mekuria Ye Wonz Maibel: Deluge, 1996/1997 Ye Wonz Maibel: Deluge is a personal visual meditation on history, conflict, and the roads to reconciliation. It is a tale of love and betrayal, of idealism and the lure of power. It is a memorial to a brother who disappeared and a best friend, executed. It is a story of the Ethiopian students, their ‘revolution’, and its aftermath – a brutal military dictatorship. Ye Wonz Maibel: Deluge contemplates the role of the individual in perpetuating national tragedies – be that famine, war, or political terror – by re-visiting family tragedies in Ethiopia. Focusing on and searching through her own history, Mekuria sought personal experiences that illuminated universal truths. The film offers tools for reflection in order to look forward to a future in which responsibility and choice inform our conduct. Salem Mekuria Square Stories, 2010 Square Stories is a triptych video installation. Maskal Square (Revolution Square, or just ‘the Square’), located in the centre of Addis Ababa, Ethiopia, is a massive concrete expanse framed by permanent bleachers. It is the lowest point in the city: everything cascades into the Square. Everything big that happens in the city takes place there. The Square is also a site of commemoration, anchored by two museums that offer stable, corporealised narratives of the city and the nation. Square Stories offers a way of bearing witness to these multiple, fragmentary histories. It presents Maskal Square both as place and metaphor culled from a childhood in Addis Ababa and the gaze of an American art professor. The triptych format, which gestures to Ethiopia’s religious and cultural history, amplifies the contradictions within history, memory, and narration and interrogates the failure of any one story to stand in for the manifold subjectivities that comprise Ethiopian identity and history. Writer/producer/videographer/director: Salem Mekuria; editor: Sarah B. Peck Natasha Mendoca & Olga Robayo Todo Esta En Cambio // All is in Flux, 2013 Todo Esta En Cambio navigates through sounds that seamlessly crisscross India and Colombia. This sonic journey takes us through the agrarian crisis and the consequences of the free trade treaty signed between India, Colombia, and the United States. The sound makes links between how food is produced in an industrialised world without consideration for the farmers, and how political leaders and corporations are leading the world to further environmental and socio-political disasters in the name of profit. Netsa Art Village Wax&Gold, 2013 Wax&Gold is a documentation of the Wax&Gold workshop for freedom of artistic expression that took place at Netsa Art Village and was accompanied by a touring exhibition in Addis Ababa, July 2012. Wax&Gold, a project developed and designed by Netsa Art Village and funded by the Prince Claus Fund, embraces the historical Ethiopian tradition of ‘Wax and Gold’, an approach involving indirect methods of communication, a strong form of expression in Ethiopian literature called ‘Qinie’, which obscures and protects the main message, the ‘Gold’, by covering it with ‘Wax’. Presented by Mihret Kebede & Robel Temesgen. Emeka Ogboh Lagos Bits and Bytes, 2013 An electro-acoustic exploration of a bustling amphitheatre of sounds, a sprawling metropolis, and an aspiring megalopolis – Lagos, Nigeria. This is an excerpt from a Lagos soundscapes project, an acoustic enquiry into the mega-city focused on capturing sounds that define the unique character of Lagos and reflect the city’s diversity. Elvira Dyangani Ose & Pere Ortín Africalls?, 2008 Africalls? is a documentary film that shows the work of five artists and two production centres of contemporary art in seven African cities. It shows the interests that motivate them and the urban context from which they create their artworks. Africalls? approaches these artists’ work from an unusual perspective, exploring their personalities and creative processes as well as the art objects they make in Dakar, Douala, Cape Town, Rabat, Luanda, Nairobi, and Maputo. Africalls? is an audiovisual journey through the contemporary art of an urban Africa: both cosmopolitan and little-known, local and global. Curator: Elvira Dyangani Ose; director: Pere Ortín; producer: Vic Pereiró Aykan Safoǧlu Off-White Tulips, 2013 Off-White Tulips is a tribute to the US-American writer James Baldwin. In this dense video essay, the artist links Baldwin’s self-imposed exile in Turkey with his own biographical details and an exploration of his native country. With the help of old photographs, we follow the path through Istanbul equally of James Baldwin as much as of Aykan Safoǧlu and his family. The emphasis on both personal stories quickly begins to blur fact and fiction. Safoǧlu calls this form biomythography – a type of invented life story coined by the American writer and activist Audre Lord, who described herself as a ‘black lesbian feminist mother warrior poet’. Off-White Tulips looks at history from marginal perspectives in order to explore alternative interpretations of cultural artefacts and differences, queer politics and identity. It is concerned with black survival strategies in a white mainstream. The film was awarded the Oberhausen Grand Prize at the Short Film Festival in Oberhausen in 2013. Daniela Seel, Rike Scheffler, Ernesto Estrella, and Sis Matthé L-A-N-G-U-A-G-I-N-G, 2013 L-A-N-G-U-A-G-I-N-G is a series of writing experiments and spontaneous language swerves informed by a space of listening. For two days, four poets tweeted echoes of what they heard from a listening space in the context of the Archives Works Marathon. The tweets can be found under the Twitter handle @Raumexperimente. Diana Sprenger and Euan Williams A Collection of Shadows in the Folds of Books Taken over the Course of a Year from Around the World, 2011-2012 In the folds of books. Reproduced shadows. Heightening the ephemeral quality of a book as a physical entity. A movable and borderless publication. Free of obvious geographical and temporal marks, yet created out of the temporal and geographical relationship between a source of light, an object, and the moment in which a photo is taken. A merging of real shadows with represented ones. Past mixes with present, as northern hemisphere mixes with southern hemisphere. Kat Válastur Fragmentation, Slow Down, Speed Up (Sketches), 2013 Movement experiments developed and demonstrated by the artist to collectively test moving in and against time Institut für Raumexperimente A presentation of selected visual material from the archives of the Institut für Raumexperimente, 2009-2013. Archives Acting ist eine Ausstellung, die anlässlich des Archives Works Marathons kuratiert wurde und im Institut für Raumexperiemente sowie dem Grey Sheep Projekt im Studio Olafur Eliasson gezeigt wird. Archives Acting wurde von Eric Ellingsen und Christina Werner choreografiert und zeigt Beiträge von Aeaeaeae, Hans-Henning Korb, Robert Lippok, und Raul Walch; Clara Jo und Robert Lippok; Salem Mekuria; Felix Melia; Natasha Mendonca und Olga Robayo; Netsa Art Village, Mihret Kebede und Robel Temesgen; Emeka Ogboh; Elvira Dyangani Ose und Pere Ortín; Aykan Safoǧlu; Daniela Seel, Rike Scheffler, Ernesto Estrella und Sis Matthé; Diana Sprenger und Euan Williams sowie Kat Válastur. Aeaeaeae, Hans-Henning Korb, Robert Lippok und Raul Walch Molding versions into reality, 2012-2013 Alles hier ist miteinander verknotet. Alles was hier hängt kommt aus Äthiopien, sogar die Dinge die aus China kommen und das ist die Realität. Das ist der Klang der Realität, eingefangen und zusammengeknotet aus Geschichten und Straßen und Märkten und Kreisverkehren in Addis Abeba. Das ist das Gegenteil des Archivs, ein Moment chaotischer Ähnlichkeiten. Eine Klanginstallation als Teil des Grey Sheep Projektes. Tainá Guedes, Asako Iwama, Lauren Maurer und Lynn Peemoeller f : O O D, 2013 Diese leckeren Erinnerungsexperimente, Rezepte, Menüs und Ideen werden im Rahmen der Marathon-Tage von Tainá Guedes, Asako Iwama, Lauren Maurer und Lynn Peemoeller aufgetischt. Entwurf des Menüs von Thomas Meyer. Clara Jo und Robert Lippok 24h Dahlem, Kapitel 1: Nacht, 2013 24h Dahlem positioniert sich rund um die kontroverse Umsiedelung der ethnografischen Sammlung aus den Museen Dahlem an ihren zukünftigen Ort, das Humboldt Forum im Stadtzentrum Berlins. Mit einer Mischung aus Materialien zweier Archive des Ethnologischen Museums und des Museums für Asiatische Kunst werden die daraus entstandenen großformatigen Videoinstallationen in drei Kapiteln in den Museen Dahlem gezeigt. 24h Dahlem wurde im Rahmen des Humboldt Lab Dahlem produziert, einem Projekt der Kulturstiftung des Bundes und der Stiftung Preußischer Kulturbesitz. Regie: Clara Jo; Sounddesign & und Komposition der Audioarchive: Robert Lippok; Kamera: Michael Laakmann Felix Melia A Day Like Any Other, 2013 A Day Like Any Other verwendet Video- und Audiomaterial des Films Hood 2 Hood: The Blockumentary von Aquis Bryant und Samuel Becketts Endspiel. Das Video zieht einen Vergleich zwischen der sich wiederholenden, zyklischen Struktur der Ereignisse in Becketts Stück und den genauso repetitiven Erklärungen und Geschichten des „echten“ Lebens in Hood 2 Hood. Dies sind Geschichten, welche auf die immobile Metaphysik und soziale Unbeweglichkeit hinweisen, welche den Protagonisten auferlegt sind. Die Formulierung „den ganzen Tag, jeden Tag“ umschreibt wortwörtlich die Bildwelten dieses Werks. Als wiederholte Beteuerung innerhalb der appropriierten Filmelemente steht diese Formulierung für Weigerung nachzugeben während sie gleichzeitig die eingeschränkte Dynamik der Umgebung, in der die Protagonisten sich befinden, herausstellt. Salem Mekuria Ye Wonz Maibel: Deluge, 1996/1997 Ye Wonz Maibel: Deluge ist eine persönliche, visuelle Meditation über Geschichte, Konflikten und Wegen, die zur Versöhnung führen. Es ist eine Geschichte über Liebe und Betrug, Idealismus und die Verführung der Macht. Es ist ein Denkmal an einen Bruder der verschwand und einen besten Freund der exekutiert wird. Erzählt wird die Geschichte der äthiopischen Studenten, ihrer „Revolution“ und dem was darauf folgt – eine brutale Militärdiktatur. Ye Wonz Maibel: Deluge denkt über die Rolle des Individuums in bestehenden nationalen Tragödien nach – das können Hungersnöte, Kriege oder politischer Terror sein – indem Familientragödien in Äthiopien neu betrachtet werden. Mit suchendem Fokus auf ihre eigene Geschichte greift Mekuria, persönliche Erfahrungen auf, die universelle Wahrheiten aufscheinen lassen. Salem Mekuria Square Stories, 2010 Square Stories ist eine Videoinstallation im Tryptichon-Format. Der Maskal Square Platz (Revolution Square oder einfach auch “the square”) liegt im Zentrum von Addis Abeba, Äthiopien, und ist eine große Betonfreifläche, die von fest installierten Tribünen begrenzt ist. Der Platz ist der niedrigstgelegene Punkt der Stadt: Alles läuft auf den Square zu. Alle großen Ereignisse in der Stadt finden hier statt. Der Platz ist auch ein Ort für Erinnerung. Zwei Museen, die hier Orientierungspunkte bieten stehen für konstante, verkörperte Narrationen der Stadt sowie der Nation. Square Stories bietet einen Zugang, um Zeugnis für diese vielseitigen, fragmentierten Geschichten abzulegen. Der Maskal Square wird sowohl als Platz als auch als Metapher präsentiert. Das Triptychon-Format, das der religiösen und kulturellen Geschichte Äthiopiens entlehnt ist, unterstreicht die Widersprüchlichkeit, die der Geschichte, der Erinnerung und der Narration zugrunde liegen. Gleichzeitig unterstreicht es, dass seither keine einzelne Geschichte repräsentativ für die vielseitigen Subjektivitäten, aus denen die äthiopische Identität und Geschichte bestehen, einstehen konnte. Autor/Produzent/Kamera/Regie: Salem Mekuria; Schnitt: Sarah B. Peck Natasha Mendoca & Olga Robayo Todo Esta En Cambio // All is in Flux, 2013 Todo Esta En Cambio navigiert durch Klänge, die Indien und Columbien nahtlos im Zickzack durchqueren. Diese Klangreise nimmt uns mit durch eine Landwirtschaftskrise und deren Auswirkungen auf das freie Handelsabkommen zwischen Indien, Kolumbien und den Vereinigten Staaten. Der Klang stellt Verbindungen zwischen der Nahrungsmittelproduktion in einer industrialisierten Welt her, wo Bauern nicht mit in Betracht gezogen werden, und der Art, auf die Politiker und Firmen im Namen des Profits die Welt in weitere umwelttechnische und sozio-politische Desaster führen. Netsa Art Village Wax&Gold, 2013 Wax&Gold ist eine Dokumentation des Wax&Gold Workshops für die Freiheit künstlerischen Ausdrucks, der im Netsa Art Village stattfand und von einer Wanderausstellung in Addis Abeba im Juli 2012 begleitet wurde. Wax&Gold, ein Projekt das vom Netsa Art Village entwickelt und gestaltet wurde, sowie vom Prince Claus Fonds mitgetragen wird, übernimmt die historische äthiopische Tradition des “Wax & Gold”. Dieser Ansatz umfasst indirekte Kommunikationsformen, eine in der äthiopischen Literatur starken Ausdrucksform namens “Qinie”, welche die zu transportierende Aussage gleichermaßen verschleiert als auch schützt. Das “Gold” wird hier mit “Wachs” überzogen. Präsentiert von Mihret Kebede & Robel Temesgen. Emeka Ogboh Lagos Bits and Bytes, 2013 Ein elektroakustischer Erkundungsgang durch ein klangerfülltes Theater, eine lebendige Metropole und eine aufstrebende Megalopole – Lagos in Nigeria. Dies ist ein Ausschnitt aus einem Projekt, das mit den Klanglandschaften Lagos arbeitet und eine akustische Befragung der Megastadt ist. Der Fokus liegt dabei darauf, Klänge einzufangen, die den einzigartigen Charakter der Stadt Lagos bestimmen und die Diversität der Stadt widerspiegeln. Elvira Dyangani Ose & Pere Ortín Africalls?, 2008 Africalls? ist ein Dokumentationsfilm, der die Arbeit von fünf Künstlern und zwei Produktionszentren für zeitgenössische Kunst in sieben afrikanischen Städten zeigt. Africalls? thematisiert die Arbeiten dieser Künstler aus einer ungewöhnlichen Perspektive, zeigt ihre Persönlichkeiten und Kreativprozesse sowie Kunstwerke, die sie in Dakar, Douala, Kapstadt, Rabat, Luanda, Nairobi und Maputo schaffen. Africalls? ist eine audiovisuelle Reise durch die zeitgenössische Kunst eines urbanen Afrikas: Kosmopolitisch und wenig bekannt, lokal und global. Kurator: Elvira Dyangani Ose; Regisseur: Pere Ortín; Produktion: Vic Pereiró Aykan Safoǧlu Off-White Tulips, 2013 Off-White Tulips ist ein Homage an den amerikanischen Autor James Baldwin. In einem dichten Videoessay verbindet der Künstler Baldwinds selbstauferlegtes Exil in der Türkei mit Details aus seiner eigenen Biografie und einem Blick auf sein Heimatland. Mithilfe alter Fotografien folgen wir James Baldwin und Aykan Safoǧlu und dessen Familie gleichermaßen durch Istanbul. Der Fokus auf die persönlichen Geschichten von beiden lässt Fakt und Fiktion schnell verschwimmen. Safoǧlu nennt diese Form Biomythografie – eine Form der fiktiven Lebensgeschichte, begründet von der amerikanischen Autorin Audre Lord, die sich selbst als “black lesbian feminist mother warrior poet” bezeichnet. Off-White Tulips blickt aus marginalisierten Perspektiven auf die Geschichte um daraus alternative Interpretationen kultureller Artefakte und Differenzen sowie von Queer Politik und Identität zu ziehen. Das Werk befasst sich mit schwarzen Überlebensstrategien innerhalb eines weißen Mainstreams. Der Film wurde mit dem Oberhausen Grand Prix beim Kurzfilm-Festival 2013 in Oberhausen ausgezeichnet. Daniela Seel, Rike Scheffler, Ernesto Estrella, und Sis Matthé L-A-N-G-U-A-G-I-N-G, 2013 L-A-N-G-U-A-G-I-N-G ist eine Serie aus Schreibexperimenten und spontanen Sprachnotizen, beeinflusst von einem “Zuhörort”. Zwei Tage lang tweeteten vier Dichter Echos dessen was sie an diesem Ort im Rahmen des Archives Works Marathon hörten. Ihre Tweets finden sich bei Twitter unter @Raumexperimente. Diana Sprenger und Euan Williams A Collection of Shadows in the Folds of Books Taken over the Course of a Year from Around the World, 2011-2012 Zwischen den Falten von Buchseiten. Reproduzierte Schatten. Eine Unterstreichung der flüchtigen Eigenschaften von Büchern als physischer Einheit. Eine bewegliche und grenzenlose Publikation. Frei von offensichtlichen geografischen und zeitlichen Zeichen und doch aus der zeitlichen und geografischen Beziehung zwischen einer Lichtquelle, einem Objekt und dem Moment des Fotografierens entstanden. Eine Vermischung von echten Schatten mit den repräsentierten Schatten. Die Vergangenheit vermischt sich mit der Gegenwart genauso wie sich die nördliche Hemisphäre mit der südlichen Hemisphäre vermischt. Kat Válastur Fragmentation, Slow Down, Speed Up (Entwürfe), 2013 Experimente zu Bewegung, die von der Künstlerin entwickelt und vorgeführt wurden um kollektiv Bewegung in und gegen die Zeit zu testen. Institut für Raumexperimente Präsentation von ausgewählten Bild- und Publikationsmaterialien aus dem Institutsarchiv von 2009-2013.

Louwrien Wijers

22. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Louwrien Wijers speaks about her project for Museum Night in Amsterdam called Writing a Sculpture Void, which challenges preconceived notions of the relation between art, science, and spirituality. By talking about the work of several artists, scientists, spiritual leaders, she problematises our contemporary, mechanistic worldview and proposes that art practice is a possible way to discover new paradigms. Synthesis Museum Night in Amsterdam · George Brecht’s book: Void · Lots of wonderful coloured lines · Art Meets Science and Spirituality in a Changing Economy · Project: Writing a Sculpture Void · Ausklappen... Museum Night in Amsterdam · George Brecht’s book: Void · Lots of wonderful coloured lines · Art Meets Science and Spirituality in a Changing Economy · Project: Writing a Sculpture Void · The way change takes place in art is very similar to the way change takes place in science · Revolutionary art signals a shift in paradigm · Giving up the idea of only a few people leading a pack of other people who are following · The art situation as a whole forms a network or a spiral · Works of art are always direct · Fritjof Capra’s The Tao of Physics · We no longer assume there is any real world with which we have to establish contact · The Heart Sutra: form is emptiness, emptiness is form · Enlightenment: a state beyond the uncontrolled, agitated, dissatisfied mind · Contemporary science teaches us that it is not a matter of fixed facts anymore but of dynamic systems, not of eternal truths but of dialogue · An artist can express human feelings · Art can come from inside or outside, but inside and outside are not different Short biography Louwrien Wijers, a writer and visual artist whose practice revolves specifically around sculpture, both mental and material. Ausklappen... Louwrien Wijers, a writer and visual artist whose practice revolves specifically around sculpture, both mental and material. From 1968 to 1986, Wijers worked closely with Joseph Beuys to train herself to look at, write, and speak ‘like’ a sculpture. Wijers’ most important mental sculpture to date, titled Art Meets Science and Spirituality in a Changing Economy (1990/1996) is a direct result of a meeting of Joseph Beuys and the Dalai Lama she organised in Bonn in 1982. The influence of food on our future is now her main topic. Louwrien Wijers spricht über ihr Projekt Writing a Sculpture Void für die Nacht der Museen in Amsterdam. Hierin stellt sie vorgefertigte Verständisse der Beziehung zwischen Kunst, Wissenschaft und Spiritualität in Frage. Durch eine Diskussion der Arbeit verschiedener Künstler, Wissenschaftler und religiöser Führer problematisiert sie unsere zeitgenössische mechanistische Weltsicht und stellt die These auf, dass künstlerische Praxis ein möglicher Weg ist, auf dem neue Paradigmen entdeckt werden können. Synthese Nacht der Museen in Amsterdam · George Brechts Buch: Void · Viele wunderbare bunte Linien · Art Meets Science and Spirituality in a Changing Economy · Projekt: Writing a Sculpture Void · Ausklappen... Nacht der Museen in Amsterdam · George Brechts Buch: Void · Viele wunderbare bunte Linien · Art Meets Science and Spirituality in a Changing Economy · Projekt: Writing a Sculpture Void · Die Art, auf die Veränderung in der Kunst stattfindet, ist der Art auf die Veränderung in der Wissenschaft stattfindet sehr ähnlich · Revolutionäre Kunst signalisiert einen Paradigmenwechsel · Abschied von der Idee dass wenige eine Menge anleiten, die bloß folgt · Die Situation in der Kunst hat die Form eines Netzwerks oder einer Spirale · Kunstwerke sind immer direkt · Fritjof Capras’ The Tao of Physics · Wie nehmen nicht länger an, dass es irgendeine reale Welt gibt mit der wir in Kontakt treten müssen · Das Herz Sutra: Form ist Leere, Leere ist Form · Erleuchtung: Ein Zustand jenseits des unkontrollierten, ängstlichen und unzufriedenen Geistes · Zeitgenössische Wissenschaft lehrt uns, dass es nicht mehr um festgelegte Fakten geht sondern um ein dynamisches System, nicht um ewige Wahrheiten sondern um Dialog · Ein Künstler kann menschlichen Gefühlen Ausdruck verleihen · Kunst kann von Innen oder von Außen kommen, aber Innen und Außen unterscheiden sich nicht Kurzbiografie Louwrien Wijers, Autorin und bildende Künstlerin, deren Arbeitsweisen sich im Bereich mentaler und materieller Bildhauerei abspielen. Ausklappen... Louwrien Wijers, Autorin und bildende Künstlerin, deren Arbeitsweisen sich im Bereich mentaler und materieller Bildhauerei abspielen. Von 1968 bis 1986 arbeitete Wijers eng mit Joseph Beuys zusammen, um Skulptur zu betrachten und "wie eine Skulptur" zu schreiben und sprechen. Wijers wichtigste gedankliche Skulptur ist bis heute unter dem Titel Art Meets Science and Spirituality in a Changing Economy (1990/1996) bekannt und ein direktes Ergebnis des Treffens zwischen Joseph Beuys und dem Dalai Lama, das sie 1982 in Bonn organisierte. Ihr Hauptthema ist aktuell der Einfluss von Nahrungsmitteln auf unsere Zukunft.

Emeka Obgoh

21. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Emeka Ogboh presents work from the past few years in which he explores the soundscape of Lagos, Nigeria, by recording the sounds of the city and using this documentation as raw material for his installations. Lagos is a city under continuous change, and his artworks document these changes through the soundscape of the city. Synthesis Sound practice in relation to the city – Lagos • Documentation similar to archiving • 21 million people living in this 1000 kilometer-square space • The city is currently undergoing changes • Ausklappen... Sound practice in relation to the city – Lagos • Documentation similar to archiving • 21 million people living in this 1000 kilometer-square space • The city is currently undergoing changes • Started working on sound in Lagos in 2008 • Each city’s sound is really unique • There are no sound regulations • Ongoing sound project that explores Lagos as a vibrant African megacity • The lack of total silence in the city • The city as a composer: it composes the piece; Ogboh only documents • Various installations around Europe, experimenting with how non-Nigerians experience and react to the soundscape of Lagos • The city’s infrastructure is being updated to be more like European cities • The soundscape of the city is changing • Incorporating the Lagos bus driver, especially in the soundscape recording and installations; using the bus as an element for the installation • Working with composers to take sounds from Lagos and make music with it Short biography Emeka Ogboh, Nigerian artist with broad focuses on the notions of listening and hearing and who works primarily with sound and video to understand cities as cosmopolitan spaces with unique characters. Ausklappen... Emeka Ogboh, Nigerian artist with broad focuses on the notions of listening and hearing and who works primarily with sound and video to understand cities as cosmopolitan spaces with unique characters. His sound recordings also consider the history and aural infrastructure of cities, in particular Lagos, Nigeria, where he currently resides. These Lagos recordings have produced a corpus of work entitled Lagos Soundscapes, which he has variously installed in different foreign contexts. A graduate of the Department of Fine and Applied Arts, University of Nigeria, Nsukka, Ogboh has exhibited in several venues in Nigeria and internationally, including at the Centre for Contemporary Art, Lagos; Menil Collection, Houston; Whitworth and Manchester city galleries; MASS MoCA, Massachusetts; Kiasma Museum of Contemporary Art, Helsinki; and Rautenstrauch-Joest-Museum, Cologne. Ogboh is a 2014 recipient of a DAAD grant and the co-founder of the Video Art Network Lagos. Emeka Ogboh stellt Arbeiten der letzten Jahre vor in denen er sich mit der Klanglandschaft von Lagos, Nigeria auseinandersetzt. Seine Tonaufnahmen dienen ihm als Rohmaterial für Installationen. Lagos ist eine Stadt die sich ständig verändert und seine Kunstwerke dokumentieren die Veränderungen anhand der Klanglandschaft der Stadt. Synthese Klangarbeit in Bezug zu Stadt – Lagos • Dokumentation ähnlich wie Archivieren • 21 Millionen Menschen leben auf diesem 1000 Quadratmeter großen Raum • Die Stadt verändert sich momentan • Ausklappen... Klangarbeit in Bezug zu Stadt – Lagos • Dokumentation ähnlich wie Archivieren • 21 Millionen Menschen leben auf diesem 1000 Quadratmeter großen Raum • Die Stadt verändert sich momentan • Begann im Jahr 2008 mit Klang zu Lagos zu arbeiten • Der Klang jeder Stadt ist einzigartig • Es gibt keine Klangregulationen • Ein fortlaufendes Soundprojekt das Lagos als lebendige afrikanische Megacity entdeckt • Die Abwesenheit völliger Stille in der Stadt • Die Stadt als Komponist: Sie komponiert das Stück, Ogboh dokumentiert nur • Verschiedene Installationen in Europa, experimentieren mit dem Erleben und der Reaktion auf Lagos Klangkulisse durch Nicht-Nigerianer • Die Infrastruktur der Stadt wird aktualisiert in die Richtung europäischer Städte • Die Klangkulisse der Stadt verändert sich • Einbeziehen der Busfahrer in Lagos, besonders für die Aufnahmen der Klangkulisse und Installationen, Nutzung des Busses als Installationsobjekt • Arbeit mit Komponisten um Klänge aus Lagos in Musik zu verarbeiten Kurzbiografie Emeka Ogboh, nigerianischer Künstler, der sich mit Hören und Zuhören auseinandersetzt. Er arbeitet hauptsächlich mit Sound und Video, Ausklappen... Emeka Ogboh, nigerianischer Künstler, der sich mit Hören und Zuhören auseinandersetzt. Er arbeitet hauptsächlich mit Sound und Video, um Städte als kosmopolitische Orte mit einzigartigem Charakter zu untersuchen. In seinen Soundaufnahmen beschäftigen er sich mit der Geschichte und der akustischen Infrastruktur von Städten, insbesondere seinem aktuellen Wohnort Lagos, Nigeria. Die Aufnahmen aus Lagos wurden als Werkserie mit dem Titel Lagos Soundscapes in verschiedenen Zusammenhängen präsentiert. Als Absolvent der Fakultät für bildende und angewandte Kunst der University of Nigeria, Nsukka, hat Ogboh in verschiedenen internationalen und nigerianischen Institutionen ausgestellt, unter anderem dem Centre for Contemporary Art in Lagos, der Menil Collection in Houston, den Whitworth and Manchester City Galleries, MASS MoCA in Massachusetts, dem Kiasma Museum of Contemporary Art in Helsinki und dem Rautenstrauch-Joest-Museum in Köln. Ogboh ist Mitbegründer des Video Art Network Lagos und erhielt im Jahr 2014 ein Stipendium des DAAD.

Natasha Mendonca

21. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Natasha Mendonca presents her work and explores her different approaches to investigating the relation between life and art, especially through non-orthodox art practices and a queer political standpoint. Synthesis Colonisation of India • England and Portugal • Difficulties of being raised Catholic in India • Not learning about one’s own culture • Cultural schisms • Growing up queer and Catholic in India • Ausklappen... Colonisation of India • England and Portugal • Difficulties of being raised Catholic in India • Not learning about one’s own culture • Cultural schisms • Growing up queer and Catholic in India • The creation of a festival to explore issues of gender and sexuality • Facing problems with the law for running such a festival • Political activism • Understanding the world through art • Travelling to other cultures to find links • Healing through collective experience • Relating cultural experiences from other countries • Working with food as art practice • Questioning the white cube experience • Colonisation from different perspectives • Art that explores the concept of archive Natasha Mendonca präsentiert ihre Arbeit und spricht über ihre unterschiedlichen Ansätze zur Erforschung der Beziehung zwischen Leben und Kunst – insbesondere mit unorthodoxen Kunstpraktiken und einer queeren politischen Haltung. Synthese Kolonialisierung Indiens • England und Portugal • Die Probleme einer katholischen Erziehung in Indien • Nichts über die eigene Kultur lernen • Kulturspaltung • Queer und katholisch in Indien aufwachsen • Ausklappen... Kolonialisierung Indiens • England und Portugal • Die Probleme einer katholischen Erziehung in Indien • Nichts über die eigene Kultur lernen • Kulturspaltung • Queer und katholisch in Indien aufwachsen • Ein Festival schaffen das Fragen nach Gender und Sexualität thematisiert • Rechtliche Probleme die mit der Schaffung dieses Festival auftauchen • Politischer Aktivismus • Die Welt durch Kunst verstehen • In andere Kulturen reisen um Verbindungen zu finden • Heilung durch kollektive Erfahrung • Kulturelle Erfahrungen aus anderen Ländern zuordnen • Arbeit mit Essen als künstlerische Praxis • Die White Cube Erfahrung hinterfragen • Kolonialisierung aus verschiedenen Perspektiven • Kunst, die das Archivkonzept untersucht Kurzbiografie Natasha Mendonca, Filmemacherin und bildende Künstlerin. Trotz der strengen indischen Zensurgesetze gegen Homosexualität, war sie 2013 Mitbegründerin von Larzish, Ausklappen... Natasha Mendonca, Filmemacherin und bildende Künstlerin. Trotz der strengen indischen Zensurgesetze gegen Homosexualität, war sie 2013 Mitbegründerin von Larzish, dem ersten internationalen indischen Film- und Videofestival, zu den Themen Sexualität und Gender in Bombay. Ihre vorhergegangene Arbeit Jan Villa wurde 2011 mit dem Tiger Award des International Film Festivals in Rotterdam ausgezeichnet sowie unter anderem auch 2011 zum Besten Film der Experimenta in Indien gewählt. Ihr erster Spielfilm Ajeeb Aashiq beschäftigt sich mit Aspekten von Gender, Arbeit und Klasse in Bombay. Der Film wurde 2011 von der Hubert Bals Stiftung unterstützt und als Beitrag für Open Doors beim Locarno Film Festival im Jahr 2011 ausgewählt.

Felix Melia

21. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Felix Melia explores several questions through his work, such as the semiotics of space, architecture and infrastructure, cultural and narrative appropriation via the Internet, and the relationships between self and space. Synthesis Representational space and the semiotics of space • The means by which we engender different kinds of environments with different types of meaning • Architectural infrastructure • Vast Montage • Ausklappen... Representational space and the semiotics of space • The means by which we engender different kinds of environments with different types of meaning • Architectural infrastructure • Vast Montage • Collating physical encounters within space • Superimposition of narratives onto environments • Meaning through the Kuleshov effect • Cultural and narrative appropriation via the Internet • Hood 2 Hood: The Blockumentary • A sense of identity based not on a city • The psychological presence of the self within the space • Samuel Beckett’s Endgame • Digital dualism • Nathan Jurgenson • Gentrification and regeneration of large cities Short biographyFelix Melia, artist working across video, film, and sculpture. He has presented work most recently at the Biennale of Moving Image at the Centre d’Art Contemporain, Geneva. Felix Melia erforscht mit seinen Arbeiten Fragen nach der Semiotik des Raumes, Architektur und Infrastruktur, kulturellen und narrativen Appropriationen über das Internet sowie die Beziehung zwischen Selbst und Raum. Synthese Repräsentative Räume und die Semiotik des Raums • Mittel durch die wir verschiedene Umgebungen mit verschiedenen Bedeutungen ausstatten • Architektonische Infrastruktur • Vast Montage • Ausklappen... Repräsentative Räume und die Semiotik des Raums • Mittel durch die wir verschiedene Umgebungen mit verschiedenen Bedeutungen ausstatten • Architektonische Infrastruktur • Vast Montage • Physische Begegnungen Räumen zuordnen • Narrative auf Umgebungen übertragen • Bedeutungsschaffung durch den Kuleshov Effekt • Kulturelle und narrative Appropriationen durch das Internet • Hood 2 Hood: The Blockumentary • Ein Identitätsgefühl das nicht auf einer Stadt beruht • Die psychologische Präsenz des Selbst im Raum • Samuel Becketts Endgame • Digitaler Dualismus • Nathan Jurgenson • Gentrifizierung und Regeneration großer Städte KurzbiografieFelix Melia, Künstler, der mit Video, Film und Bildhauerei arbeitet. Er präsentiert seine neuesten Arbeiten auf der Biennale of Moving Image im Centre d’Art Contemporain in Genua.

Salem Mekuria

21. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Salem Mekuria presents on the formation of the ‘Red Terror’ Martyrs’ Memorial Museum in Addis Ababa and the issues involved in setting up such an institution. There is also a discussion on the growing use of archival films in the re-examination of history worldwide. Synthesis The use of language in relation to archives • The ‘Red Terror’ Martyrs’ Memorial Museum • The museum should include everyone who suffered • A pedagogical museum • Ausklappen... The use of language in relation to archives • The ‘Red Terror’ Martyrs’ Memorial Museum • The museum should include everyone who suffered • A pedagogical museum • Vigil brought together disparate groups affected by the military regime • Photographs were collected from different sources to integrate the museum • Interacting with the museum collection via the visitors • Growing use of archival material worldwide • American history re-examined via archival films Short biography Salem Mekuria, a professor in the Art Department at Wellesley College, is also an independent writer, producer, director, videographer, and a video installation artist. Ausklappen... Salem Mekuria, a professor in the Art Department at Wellesley College, is also an independent writer, producer, director, videographer, and a video installation artist. Her award winning documentary films and video installations feature Ethiopian subjects. Her honors include a fellowship at the Radcliffe Institute for Advanced Study, Harvard University, 2005-06; a Fulbright Scholar fellowship, 2003-04; the New England Media Fellowship, 2001; and the Rockefeller Foundation Intercultural Media Fellowship, 1995. Salem Mekuria spricht zur Entstehung des ‘Red Terror’ Martyr’s Memorial Museum in Addis Abeba. Sie sprach darüber, wie archivarisches Filmmaterial einen Einfluss auf die Neubewertung geschichtlicher Zusammenhänge hat. Synthese Die Verwendung von Sprache in Beziehung zu Archiven • Das ‘Red Terror’ Martyrs’ Memorial Museum • Das Museum sollte jeden, der leidtragend war mit einbeziehen • Ein pädagogisches Museum • Ausklappen... Die Verwendung von Sprache in Beziehung zu Archiven • Das ‘Red Terror’ Martyrs’ Memorial Museum • Das Museum sollte jeden, der leidtragend war mit einbeziehen • Ein pädagogisches Museum • Bemühung nicht verbundene Gruppen zusammen zu bringen, die vom Militärregime betroffen waren • Fotografien aus unterschiedlichen Quellen wurden gesammelt um das Museum integrativ zu gestalten • Interaktion mit der Sammlung des Museums durch die Besucher • Wachsende Verwendung von Archivmaterial weltweit • Amerikanische Geschichte durch archivisches Filmmaterial neu betrachtet Kurzbiografie Salem Mekuria, Professorin der künstlerischen Fakultät am Wellesley College sowie unabhängige Autorin, Produzentin, Regisseurin, Filmemacherin und Videoinstallationskünstlerin. Ausklappen... Salem Mekuria, Professorin der künstlerischen Fakultät am Wellesley College sowie unabhängige Autorin, Produzentin, Regisseurin, Filmemacherin und Videoinstallationskünstlerin. Ihre ausgezeichneten Dokumentarfilme und Videoinstallationen setzen sich mit äthiopischen Themen auseinander. Auszeichnungen, die sie erhielt sind unter anderem eine Fellowship am Radcliffe Institute for Advanced Study der Harvard University von 2005-2006, eine Fulbright Scholar Fellowship von 2003-2004, die New England Media Fellowship im Jahr 2001 und die Rockefeller Foundation Intercultural Media Fellowship im Jahr 1995.

Armin Linke

22. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Armin Linke presents his work, which focuses on questions of how to employ and think with images, especially from an archival perspective. He also discusses the relation between the Internet and architectural space, looking at the anthropological use of architecture. Synthesis Different ways to think and work with images • HfG Karlsruhe / ZKM • Project collaboration with Doreen Mende and Wilfried Kühn • Architettura • Collaboration with Alex Rich and Peter Hanappe • Ausklappen... Different ways to think and work with images • HfG Karlsruhe / ZKM • Project collaboration with Doreen Mende and Wilfred Kühn • Architettura • Collaboration with Alex Rich and Peter Hanappe • Sony CSL Lab • Insurance companies do not insure artwork that can be touched • Oscar Niemeyer • Early project: an online image archive – shown at the Utopia Station, Venice Biennale • To bring the structure of the internet into the architectural space • Carlo Mollino • Anthropological use of architecture • The changing landscape of rural Italy through architecture • Bruno Latour • An Inquiry Into Modes of Existence • Phenotypes/Limited Forms • Performative installation • Using an algorithm to select the images • MMK – Museum für Moderne Kunst, Frankfurt a.M. • Making History • Corrado Calvo Short biography Armin Linke, artist working with film and photography, with an ongoing archive on human activity and natural and manmade landscapes. Ausklappen... Armin Linke, artist working with film and photography, with an ongoing archive on human activity and natural and manmade landscapes. He is a professor at the HfG (Hochschule für Gestaltung) Karlsruhe, a guest professor in Arts and Design at the IUAV University in Venice, and a research affiliate at MIT Visual Arts Program Cambridge. He co-curated the project Double Bound Economies (2013), and together with Territorial Agency and Anselm Franke, he conceptualised and executed the Anthropocene Observatory video series at Haus der Kulturen der Welt, Berlin. Linke is also a part of Travelling Communiqué: Reading a Photo Archive (1948-1980). Armin Linke präsentiert seine Arbeit mit einem Schwerpunkt auf Fragen wie man mit Bildern denken und arbeiten kann, besonders aus einer archivischen Perspektive. Er diskutiert außerdem auch die Beziehung zwischen Internet und architektonischem Raum und betrachtet hierbei die anthropologische Verwendung von Architektur. Synthese Unterschiedliche Arten mit Bildern zu denken und zu arbeiten • HfG Karlsruhe / ZKM • Projektzusammenarbeit mit Doreen Mende und Wilfried Kühn • Architettura • Ausklappen... Unterschiedliche Arten mit Bildern zu denken und zu arbeiten • HfG Karlsruhe / ZKM • Projektzusammenarbeit mit Doreen Mende und Wilfred Kühn • Architettura • Zusammenarbeit mit Alex Rich und Peter Hanappe • Sony CSL Lab • Versicherungen versichern keine Kunstwerke die berührt werden dürfen • Oscar Niemeyer • Frühes Projekt: Ein Online Bildarchiv – gezeigt in der Utopia Station, Venice Biennale • Die Struktur des Internets in den architektonischen Raum bringen • Carlo Mollino • Anthropologische Verwendung von Architektur • Die sich durch Architektur verändernde Gestalt des ländlichen Italiens • Bruno Latour • An Inquiry Into Modes of Existence • Phenotypes/Limited Forms • Performative Installation • Verwendung eines Algorithmus zur Auswahl von Bildern • Museum für Moderne Kunst, Frankfurt a.M. • Making History • Corrado Calvo Kurzbiografie Armin Linke, Künstler. Er ist Professor an der HfG (Hochschule für Gestaltung) Karlsruhe, Ausklappen... Armin Linke, Künstler. Er ist Professor an der HfG (Hochschule für Gestaltung) Karlsruhe, Gastprofessor für Kunst und Design an der IUAV Universität in Venedig und am MIT Visual Arts Program in Cambridge, USA. Er co-kuratierte das Projekt Double Bound Economies (2013) und konzeptualisierte und realisierte zusammen mit Territorial Agency und Anselm Franke die Anthropocene Observatory Videoreihe am Haus der Kulturen der Welt in Berlin. Linke ist außerdem Teil von Travelling Communiqué: Reading a Photo Archive (1948-1980).

Koyo Kouoh

22. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Koyo Kouoh presents the living archive of artist Issa Samb and discusses the importance of the artist’s work in Senegal in relation to major historical events, as well as the importance of preserving such an archive for the memory of Senegal. Synthesis An example of a living archive • The archive of artist Issa Samb from Dakar • Became political at the age of 13 • Politically active in West Africa for over 50 years • Ausklappen... An example of a living archive • The archive of artist Issa Samb from Dakar • Became political at the age of 13 • Politically active in West Africa for over 50 years • Disruption of Charles De Gaulle’s visit to West and Central Africa • Living and performing his own archive on a daily basis • First artist collective in Senegal during the 1970s, the Laboratoire Agit’Art • Djibril Diop Mambéty • dOCUMENTA Short biography Koyo Kouoh, the founder of RAW Material Company, a centre for art, knowledge, and society, makes exhibitions, publishes books and helps others in the same labour. Ausklappen... Koyo Kouoh, the founder of RAW Material Company, a centre for art, knowledge, and society, makes exhibitions, publishes books and helps others in the same labour. Her discursive programmes, exhibitions and publications have included contemporary artists, thinkers, writers, activists, non-artists, designers, politicians, architects, and chefs. Koyo Kouoh präsentiert das Archiv des Künstlers Issa Samb und diskutiert die Bedeutsamkeit seines Werks in Senegal in Bezug zu bedeutenden historischen Ereignissen sowie der Wichtigkeit, ein solches Archiv für die Erinnerungskultur in Senegal zu bewahren. Synthese Beispiel für ein lebendiges Archiv • Das Archiv des Künstlers Issa Samb aus Dakar • Wurde im Alter von 13 Jahren politisch interessiert • Ausklappen... Beispiel für ein lebendiges Archiv • Das Archiv des Künstlers Issa Samb aus Dakar • Wurde im Alter von 13 Jahren politisch interessiert • Seit über 50 Jahren in Westafrika politisch aktiv • Störung von Charles De Gaulles Besuch in West- und Zentralafrika • Lebt und performt sein eigenes Archiv als tägliche Praxis • Erstes Künstlerkollektiv in Senegal während der 1970er Jahre, das Laboratoire Agit’Art • Djibril Diop Mambéty • dOCUMENTA Kurzbiografie Koyo Kouoh, Gründungsdirektorin von RAW Material Company, einem Zentrum für Kunst, Wissen und Gesellschaft. Sie kuratiert Ausstellungen, veröffentlicht Bücher und hilft anderen im gleichen Berufszweig. Ausklappen... Koyo Kouoh, die Gründerin der RAW Material Company, einem Zentrum für Kunst, Wissen und Gesellschaft schafft Ausstellungen, veröffentlicht Bücher und hilft anderen im gleichen Berufszweig. Ihre diskursiven Programme, Ausstellungen und Publikationen bringen zeitgenössische Künstler, Denker, Autoren, Aktivisten, Nichtkünstler, Designer, Politiker, Architekten und Köche zusammen.

Mihret Kebede

21. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Mihret Kebede presents her work on the concept of generations. She discusses the need for her own generation to become more politically involved in the transformation process of Addis Ababa. Synthesis Working with the idea of generations • Three generations: the past, the present, and the future • The past is more colourful • The ideology of the ruling party is more focused on ethnicity • Ausklappen... Working with the idea of generations • Three generations: the past, the present, and the future • The past is more colourful • The ideology of the ruling party is more focused on ethnicity • People represent more than just physical appearance and language • People often stand silently, looking and watching what’s taking place in the city • The need for more involvement from this generation • Finding opportunities for involvement in the development process • Power or money allow true freedom of expression in the city • Billboards as art project • Description and images of the work Short biography Mihret Kebede, artist, founding director of the Netsa Art Village artist collective in Addis Ababa. She is the recipient of numerous grants Ausklappen... Mihret Kebede, artist, founding director of the Netsa Art Village artist collective in Addis Ababa. She is the recipient of numerous grants including residencies at the Maryland Institute College of Art (2006), the Thami Mnyele Foundation (2012), and Deveron Arts, Huntly, Scotland (2012). Her recent projects include Slow Marathon and the Walk Sans Frontières Symposium (2012) on art, walking, and boundaries, and a performance art project for the Prince Claus Foundation annual awards ceremony in Amsterdam, Netherlands (2012). She is co-organiser of the Wax & Gold workshop and exhibition, Addis Ababa (2013), and she is a founding member of Tobiya Poetic Jazz Group. Mihret Kebede präsentiert ihre Arbeit an einem Generationenkonzept. Sie diskutiert die Notwendigkeit für ihre eigene Generation, sich politisch mehr in den Veränderungsprozess Addis Abebas einzumischen. Synthese Arbeit zum Generationenverständnis • Drei Generationen: Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft • Die Vergangenheit ist bunter • Die Ideologie der herrschenden Partei konzentriert sich mehr auf ethnische Merkmale • Ausklappen... Arbeit zum Generationenverständnis • Drei Generationen: Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft • Die Vergangenheit ist bunter • Die Ideologie der herrschenden Partei konzentriert sich mehr auf ethnische Merkmale • Menschen repräsentieren mehr als nur äußerliche Erscheinungen und Sprache • Menschen bleiben oft stehen und beobachten stumm was in der Stadt passiert • Die Notwendigkeit von mehr Einmischung dieser Generation • Gelegenheiten für Einmischung in den Entwicklungsprozess finden • Macht oder Geld erlauben wahre Ausdrucksfreiheit in der Stadt • Werbeflächen als Kunstprojekte • Beschreibung und Bilder der Arbeit Kurzbiografie Mihret Kebede, Künstlerin, Gründungsdirektorin des Netsa Art Village Künstlerkollektivs in Addis Abeba. Sie hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, Ausklappen... Mihret Kebede, Künstlerin, Gründungsdirektorin des Netsa Art Village Künstlerkollektivs in Addis Abeba. Sie hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, unter anderem Residencies am Maryland Institute College of Art (2006), der Thami Mnyele Foundation (2012) und Deveron Arts in Huntley, Schottland (2012). Ihre aktuellen Projekte sind unter anderem Slow Marathon und das Walk Sans Frontières Symposium (2012) zu Kunst, Laufen und Grenzen, sowie ein Performancekunstprojekt für die jährliche Prince Claus Foundation Preisverleihung in Amsterdam, Niederlande (2012). Sie ist Mitorganisatorin des Wax & Gold Workshops sowie der gleichnamigen Ausstellung in Addis Abeba (2013) und sie ist Gründungsmitglied der Tobiya Poetic Jazz Group.

Tue Greenfort

22. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Tue Greenfort presents on his recent projects, especially his work with water and an international water archive, as well as how this helps to understand changing landscapes and open dialogues on subjects such as biozone protection and the relation between computer science and thought. Synthesis dOCUMENTA (13) • Multi-species archive – human and non-human animals • Water archive • Water pollution and drinkability • Ausklappen... Danish artist living in Berlin • dOCUMENTA (13) • Multi-species archive – human and non-human animals • Water archive • Water pollution and drinkability • Place specific – samples from around the world • Symbolic value of objects • Closed ecosystem • What is the difference between an archive and a collection? • A collection that opens dialogue • Water as a political issue • Different approaches to water • Exhibition at SculptureCenter in New York • Hurricane Sandy • Reaction to the hurricane • The changing landscape of New York • How to re-think the environment in an urban area • The horseshoe crab • Evolutionary time scale • Dialogue on biozone protection • New York context • The relation between computer science and ecological thought Short biography Tue Greenfort, artist. As a participant in dOCUMENTA (13) in Kassel, Germany, Greenfort was co-curator of an archive on multi-species co-evolution, The Worldly House. Ausklappen... Tue Greenfort, artist. As a participant in dOCUMENTA (13) in Kassel, Germany, Greenfort was co-curator of an archive on multi-species co-evolution, The Worldly House. Solo presentations include Berlinische Galerie (2012), South London Gallery (2011), Kunstverein Braunschweig (2008), and Secession, Vienna (2007). Among his publications, the most comprehensive, Linear Deflection, was published by Walther König in 2009. Tue Greenfort spricht über seine aktuellen Projekte, besonders seine Arbeit mit Wasser und seine Initiative für ein internationales Wasserarchiv. Außerdem thematisiert er, wie dies uns hilft, sich verändernde Landschaften zu verstehen und Diskurse zu Themen wie Biozonenschutz oder zu der Beziehung zwischen Computerwissenschaften und Theorie zu öffnen. Synthese dOCUMENTA (13) • Multispezies Archiv - menschliche und nichtmenschliche Tiere • Wasserarchiv • Wasserverschmutzung und Trinkbarkeit • Ausklappen... Dänischer Künstler der in Berlin wohnt • dOCUMENTA (13) • Multispezies Archiv - menschliche und nichtmenschliche Tiere • Wasserarchiv • Wasserverschmutzung und Trinkbarkeit • Ortsspezifisch – Proben von überall auf der Welt • Symbolischer Wert von Objekten • Geschlossene Ökosysteme • Was ist der Unterschied zwischen einem Archiv und einer Sammlung? • Eine Sammlung, die Dialoge eröffnet • Wasser als Politikum • Unterschiedliche Ansätze zum Thema Wasser • Ausstellung im SculptureCenter in New York • Hurrikan Sandy • Reaktionen auf den Hurrikan • Die sich verändernde Landschaft New Yorks • Wie denkt man die Umgebung in einer urbanen Gegend neu? • Der Pfeilschwanzkrebs • Evolutionärer Zeitrahmen • Dialog über Biozonenschutz • New York als Kontext • Die Beziehung zwischen Computerwissenschaft und ökologischen Gedanken Kurzbiografie Tue Greenfort, Künstler. Als ein Teilnehmer der dOCUMENTA (13) in Kassel war Greenfort Ko-Kurator eines Archivs für spezienübergreifende Ko-Evolution, The Worldly House. Ausklappen... Tue Greenfort, Künstler. Als ein Teilnehmer der dOCUMENTA (13) in Kassel war Greenfort Ko-Kurator eines Archivs für spezienübergreifende Ko-Evolution, The Worldly House. Soloschauen seiner Werke umfassen die Berlinische Galerie (2012), die South London Gallery (2011), den Kunstverein Braunschweig (2008), und Secession, Wien (2007). Die umfangreichste seiner Publikationen, Linear Deflection, wurde von Walther König im Jahr 2009 herausgegeben.

Elizabeth Giorgis

21. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Elizabeth Giorgis focuses on the progressive loss of city archives in Addis Ababa due to the rapid modernisation of the city and questions the place and role of young artists in this transformation. She examines the effects that these transformations have on the local communities and how artists’ works can draw attention to these changes. She presents and discusses the work of artists Michael Tesfaye, Mihret Kebede, and Berhanu Ashagrie Deribew. Synthesis The Institute of Ethiopian Studies • The manipulation of archives • Addis Ababa undergoing urban transformation • Archives being erased as a result • Ausklappen... The Institute of Ethiopian Studies • The manipulation of archives • Addis Ababa undergoing urban transformation • Archives being erased as a result • Young artists questioning their identity in relation to the past of Addis Ababa • European colonialists tried to erase African archives • The Chinese are attempting to do the same • Africa transcends • Artist Michael Tesfaye • How to talk about the future being disconnected from the past • City’s future development contrasted against its poorer past and present • Indigenous structures replaced by poor quality modern constructions • Communities being dismantled • Cemeteries cleared to make way for roads • Menelik Palace • Power existing alongside poverty • Clearing areas for development • The effects this has on the local population • Artist Mihret Kebede • The hidden and the apparent • Powerful work of performance by young artists in Addis Ababa • Questioning the use of advertising in the public space • Artist Berhanu Ashagrie Deribew • The interchange of space and place • The homogenisation of public space according to international aesthetic standards • Real censorship vs. self-censorship • The Changing DNA of Addis Ababa – Goethe-Institut Short biography Elizabeth Giorgis, art historian, professor, and preeminent scholar on the subject of Ethiopian art and culture. Ausklappen... Elizabeth Giorgis, art historian, professor, and preeminent scholar on the subject of Ethiopian art and culture. She holds a PhD from the Department of History of Art and Visual Studies of Cornell University, an MA in Museum Studies from New York University, and has written extensively on Ethiopian art. As a curator, Giorgis has presented exhibitions at the Modern Art Museum and the Museum of the Institute of Ethiopian Studies, both in Addis Ababa. She was most recently a Visiting Professor in the Humanities at the Cogut Center at Brown University, Providence, USA. Elizabeth Giorgis konzentriert sich auf den Verlust von Stadtarchiven in Addis Abeba als Folge der schnell fortschreitenden Modernisierung der Stadt und hinterfragt die Position und Rolle junger Künstler innerhalb dieses Wandels. Sie untersucht die Folgen, welche diese Veränderungen für lokale Gemeinschaften haben und fragt wie künstlerische Arbeit Aufmerksamkeit auf diese Veränderungen ziehen kann. Sie präsentiert und diskutiert die Arbeit der Künstler Michael Tesfaye, Mihret Kebede und Berhanu Ashagrie Deribew. Synthese The Institute of Ethiopian Studies • Die Manipulation des Archivs • Addis Abeba erlebt eine urbane Transformation • Als Folge werden Archive ausgelöscht • Ausklappen... The Institute of Ethiopian Studies • Die Manipulation des Archivs • Addis Abeba erlebt eine urbane Transformation • Als Folge werden Archive ausgelöscht • Junge Künstler hinterfragen ihre Identität in Bezug auf Addis Abebas Vergangenheit • Europäische Kolonialisten haben versucht afrikanische Archive auszulöschen • Chinesen versuchen dasselbe • Afrika transzendiert • Künstler Michael Tesfaye • Wie kann man über die Trennung zwischen Zukunft und Vergangenheit sprechen? • Zukünftige Entwicklungen der Stadt im Kontrast zu seiner ärmeren Vergangenheit und Gegenwart • Indigene Strukturen werden von qualitative minderwertigen modernen Bauvorhaben ersetzt • Gemeinschaften werden auseinandergenommen • Friedhöfe werden geräumt um Platz für Straßen zu machen • Menelik Palace • Macht die neben Armut existiert • Orte für Stadtentwicklung räumen • Der Einfluss, den dies auf die Bevölkerung vor Ort hat • Künstlerin Mihret Kebede • Das Versteckte und das Offensichtliche • Wirkungsstarke Performancearbeiten junger Künstler in Addis Abeba • Hinterfragen der Verwendung von Werbung im öffentlichen Raum • Der Künstler Berhanu Ashagrie Deribew • Der Austausch von Raum und Ort • Die Homogenisierung des öffentlichen Raums nach internationalen ästhetischen Standards • Echte Zensur versus Selbstzensur • The Changing DNA of Addis Ababa – Goethe Institut Kurzbiografie Elizabeth Giorgis, Kunstgeschichtlerin, Professorin und Wissenschaftlerin auf dem Gebiet äthiopischer Kunst und Kultur. Ausklappen... Elizabeth Giorgis, Kunstgeschichtlerin, Professorin und herausragende Wissenschaftlerin auf dem Gebiet äthiopischer Kunst und Kultur. Sie hat einen PhD vom Institut für Kunstgeschichte und Bildstudien der Cornell University, einen MA in Museumskunde der New York University und hat ausgiebig zu äthiopischer Kunst geschrieben. Als Kuratorin präsentierte Giorgis Ausstellungen am Modern Art Museum und dem Museum of the Institute of Ethiopian Studies, beides in Addis Abeba. Sie ist Gastprofessorin für Geisteswissenschaften am Cogut Center der Brown University in Providence, USA.

Olafur Eliasson & Ai Weiwei

21. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Olafur Eliasson conducts a video interview with Ai Weiwei to introduce their collaboration, Moon, an online space where anyone can contribute a mark, a drawing, or an image to an integrated sphere. Through messages and non-verbal communication in a language unique to each person, the collective work becomes a testament to personal freedom, creativity, and activity. Synthesis Journeys and connections • Archival thinking • Retroactivity or proactivity? • Contemporary concept of the archive • Changing views • The objective vs. the subjective view of History • Ausklappen... Journeys and connections • Archival thinking • Retroactivity or proactivity? • Contemporary concept of the archive • Changing views • The objective vs. the subjective view of History • The emergent fields of Structuralism and Post-Structuralism in relation to archives • ‘To archive’ • Producing realities from archives • Subjectivity and the reality machine • The Moon Project • Ai Weiwei’s current situation • Secret police surveillance • Activating the Moon Project via video conference • Ai Weiwei’s work in relation to the history of culture • Human consciousness • Digital media • The Chinese political situation • The Dalai Lama • Their partnership on the Moon Project • Description of the project • Moon as an archive in the making • The ethico-political issues of an open project • How much to censor? • The symbolic nature of the Moon • The consequence of self-expression Short biographies Olafur Eliasson, a Danish-Icelandic artist, founded the Institut für Raumexperimente, an educational research project, affiliated with the College of Fine Arts at the Berlin University of the Arts (UdK) and supported by the Senate for Education, Science and Research in Berlin and the Einstein Foundation Berlin. The fundamental trajectory of the Institut für Raumexperimente is Eliasson’s interest in testing models of learning and cultivating experimental formats. Ai Weiwei is a Chinese contemporary artist involved in art, design, sculpture, architecture, curating, photography, writing, film, and social, political, and cultural criticism. His activities mainly focus on freedom of expression and ways to support human rights and social justice. Olafur Eliasson führt ein Videointerview mit Ai Weiwei um in ihre Zusammenarbeit für Moon, einem Online-Raum, in dem jeder ein Zeichen, eine Zeichnung oder ein Bild auf einer digitalen Mondoberfläche einschreiben kann, einzuführen. Die kollektive Arbeit wird durch Nachrichten und nonverbale Kommunikation in einer für jeden Beitragenden individuellen Sprache zu einem Zeugnis für persönliche Freiheit, Kreativität und Aktivität. Synthese Reisen und Verbindungen • Archivisches Denken • Retroaktivität oder Proaktivität? • Zeitgenössisches Konzept des Archivs • Sich ändernde Ansichten • Objektive versus subjective Sicht auf Geschichte • Ausklappen... Reisen und Verbindungen • Archivisches Denken • Retroaktivität oder Proaktivität? • Zeitgenössisches Konzept des Archivs • Sich ändernde Ansichten • Objektive versus subjective Sicht auf Geschichte • Das neue Gebiet von Strukturalismus und Post-Strukturalismus im Verhältnis zu Archiven • Archivieren • Schaffen von Realitäten aus Archiven • Subjektivität und die Realitätsmaschine • The Moon Project • Ai Weiweis aktuelle Situation • Überwachung durch Geheimpolizei • Aktivierung des Moon Project per Videokonferenz • Ai Weiweis Arbeit in Bezug zur Kulturgeschichte • Menschliches Bewusstsein • Digitale Medien • Die politische Situation in China • Der Dalai Lama • Ihre Zusammenarbeit beim Moon Project • Beschreibung des Projektes • Moon als entstehendes Archiv • Die ethnopolitischen Probleme eines offenen Projektes • Wieviel zensieren? • Die symbolische Natur des Mondes • Die Konsequenzen des persönlichen Ausdrucks Kurzbiografien Olafur Eliasson, dänisch-isländischer Künstler, gründete das Institut für Raumexperimente, ein Studien- und Forschungsprojekt, das Teil der Fakultät für Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin (UdK) ist. Eliassons Interesse, neue Lernmodelle zu testen und experimentelle Formate zu kultivieren, ist grundlegender Bestandteil des Institutsprogramms. Ai Weiwei ist ein chinesischer zeitgenössischer Künstler, der sich mit Kunst, Design, Bildhauerei, Architektur, Kuration, Photografie, Schreiben, Film und sozialer, politischer sowie kultureller Kritik beschäftigt. Seine Aktivitäten beschäftigen sich hauptsächlich mit Meinungsfreiheit und der Unterstützung von Menschenrechten und sozialen Gerechtigkeit.

Olafur Eliasson

22. November 2013 / Acting Archives, Marathon, Roadtrip ⟶

Olafur Eliasson presents his website as a living archive, exploring the definition of an archive and an archive’s nature as proactive or retroactive. His discussion is supplemented with examples from his own career and his online archive. Synthesis The start of an archive • The transition from one type of medium to another • A website as an archive • Sticky Rice – intuitive system • The internet as a gathering of material • Ausklappen... The start of an archive • The transition from one type of medium to another • A website as an archive • Sticky Rice – intuitive system • The internet as a gathering of material • A retroactive or proactive archive • More access to the work online than at exhibitions • Changing perspective of own work • How to represent online the process of producing work? • Examples of how his website functions • How to generate a system for viewing and cataloguing the work online? • Archive or catalogue? • Does an artist’s archive include the artwork? • Archival thinking as future co-production Short biography Olafur Eliasson, Danish-Icelandic artist, founded the Institut für Raumexperimente, an educational research project, affiliated with the College of Fine Arts at the Berlin University of the Arts (UdK) Ausklappen... Olafur Eliasson, Danish-Icelandic artist, founded the Institut für Raumexperimente, an educational research project, affiliated with the College of Fine Arts at the Berlin University of the Arts (UdK). The fundamental trajectory of the Institut für Raumexperimente is Eliasson’s interest in testing models of learning and cultivating experimental formats. Olafur Eliasson präsentiert seine Website als lebendiges Archiv und diskutiert dabei die Definition des Archivs selbst sowie die Natur des Archivs als proaktiv beziehungsweise retroaktiv. Seine Überlegungen wurden durch Beispiele aus seiner eigenen Künstlerkarriere unterlegt. Synthese Der Beginn eines Archivs • Der Übergang von einer Art Medium zu einer anderen • Website als Archiv • Sticky Rice – intuitives System • Das Internet als Materialsammlung • Ausklappen... Der Beginn eines Archivs • Der Übergang von einer Art Medium zu einer anderen • Website als Archiv • Sticky Rice – intuitives System • Das Internet als Materialsammlung • Ein retroaktives oder proaktives Archiv • Online mehr Zugang zu Arbeiten als in der Ausstellung • Sich wandelnde Perspektiven auf das eigene Werk • Wie kann der Produktionsprozess eines Kunstwerkes online repräsentiert werden? • Beispiele wie seine Website funktioniert • Wie schafft man ein System zum Betrachten und Katalogisieren von Arbeiten online? • Archiv oder Katalog? • Enthält ein Künstlerarchiv die Kunstwerke? • Archivisches Denken als zukünftige Koproduktion Kurzbiografie Olafur Eliasson, dänisch-isländischer Künstler, gründete das Institut für Raumexperimente, ein Studien- und Forschungsprojekt, Ausklappen... Olafur Eliasson, dänisch-isländischer Künstler, gründete das Institut für Raumexperimente, ein Studien- und Forschungsprojekt, das Teil der Fakultät für Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin (UdK) ist. Eliassons Interesse, neue Lernmodelle zu testen und experimentelle Formate zu kultivieren, ist grundlegender Bestandteil des Institutsprogramms.

AA Bronson

22. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

AA Bronson presents five decades of his work as an artist. He explores issues of artists working collectively, artists’ books, networking, archival practices and cultures, AIDS, and personal projects. He speaks of projects such as Printed Matter, General Idea, File Megazine, Art Metropole, Other Books, Ecart, and The 1984 Miss General Idea Pavilion. Synthesis Printed Matter • Artists’ books from around the world in the 60s and 70s • Artists networking via self-made books • General Idea • Working as a collective and receiving and producing print material • Ausklappen... Printed Matter • Artists’ books from around the world in the 60s and 70s • Artists networking via self-made books • General Idea • Working as a collective and receiving and producing print material • File Megazine • One of the earliest artist-run magazines • Acting as a network of artists • Existing outside the mainstream distribution channels • Art Metropole • System for artists’ projects in multiple formats • Other Books • Ecart • Nodes of a distribution system • Sol Lewitt • Franklin Furnace • Split between Printed Matter and Franklin Furnace: one became a bookshop and the other an archive • AIDS in the 80s and 90s forced artists’ archives to be formed during middle age • The difference between an archive and a library • Miss General Idea Pavilion • Self-generated, parallel art system • Generating an archive through mailing projects with other artists • Non-hierarchical approach to received material • Plain paper copier starts punk-zine boom • Manipulating the Self – book exploring the concept of self- and audience manipulation • Wittgenstein AA Bronson stellt fünf Jahrzehnte seiner künsterischen Arbeit vor. Er geht dabei auf kollektive künstlerische Arbeit, Künstlerbücher, Networking, Archivpraktiken und Kulturen, AIDS und persönliche Projekte ein. Erwähnt warden unter anderem Projekte wie Printed Matter, General Idea, File Megazine, Art Metropole, Other Books, Ecart, und The 1984 Miss General Idea Pavilion. Synthese Printed Matter • Internationale Künstlerbücher in den 1960er und 1970er Jahren • Künstlernetzwerke durch selbst produzierte Bücher • General Idea • Arbeit im Kollektiv und Annahme sowie Produzieren von Printmaterial • Ausklappen... Printed Matter • Internationale Künstlerbücher in den 1960er und 1970er Jahren • Künstlernetzwerke durch selbst produzierte Bücher • General Idea • Arbeit im Kollektiv und Annahme sowie Produzieren von Printmaterial • File Megazine • Eines der ersten künstlergeführten Magazine • Handeln als Künstlernetzwerk • Bestehen außerhalb der populären Distributionswege • Art Metropole • Systeme für Künstlerprojekte in verschiedenen Formaten • Other Books • Ecart • Knotenpunkte eines Vertriebssystems • Sol Lewitt • Franklin Furnace • Teilung in Printed Matter und Franklin Furnace, wovon eines ein Buchladen, das andere ein Archiv wurde • AIDS in den 1980er und 1990er Jahren machte es notwendig, dass Künstlerarchive im mittleren Alter begonnen wurden • Der Unterschied zwischen einem Archiv und einer Bibliothek • Miss General Idea Pavilion • Selbstgeschaffenes, paralleles Kunstsystem • Schaffung eines Archives durch postalischen Austausch über Projekte mit anderen Künstlern • Nicht-hierarchischer Umgang mit erhaltenem Material • Die Kopiermaschine begründet den Boom der Punk-Zines • Manipulating the Self – Buch, das das Konzept von Selbst und Publikumsmanipulation erforscht • Wittgenstein Kurzbiografie AA Bronson, Künstler, begründete im Jahr 1969 die Künstlergruppe General Idea mit Felix Partz und Jorge Zontal. Er ist außerdem als Gründer von Art Metropole (1974), Ausklappen... AA Bronson, Künstler, begründete im Jahr 1969 die Künstlergruppe General Idea mit Felix Partz und Jorge Zontal. Er ist außerdem als Gründer von Art Metropole (1974), der NY Art Book Fair (2006) sowie dem Institute for Art, Religion and Social Justice (2008) bekannt. Er war von 2004 bis 2010 Leiter von Printed Matter, Inc und lehrte an der UCLA, der University of Toronto und der Yale School of Art. AA Bronsons eigenes Werk beschäftigt sich mit Trauma, Verlust, Tod und Heilung aus der Perspektive der Queer Theory. Sein Oeurvre – als Künstler, Heiler, Kurator und Lehrender – ist geprägt von kollaborativer Praxis und Konsensfindung. Er hatte zahlreiche internationale Einzelausstellungen und erhielte ebenso zahlreiche Auszeichnungen und Ehrendoktortitel.

Beatrice von Bismarck

22. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Beatrice von Bismarck speaks of the creation of the MA programme Cultures of the Curatorial and the involvement of the course participants in the curatorial project The Subjective Object. The project dealt with an archive of anthropological photography from the late 1920s of the Adivasi people of India and the political and socio-historical issues related to this archive. Several key questions are raised regarding colonialism, the anthropological gaze, the role of museums, the status of exhibits, the role of photography in relation to communal memory, and the ontological standing of the photograph itself. Synthesis Producing art and archives out of existing archives · The Subjective Object · The culture of a curatorial course · A project under the conditions of institutional limitations or perspectives · Ausklappen... Producing art and archives out of existing archives · The Subjective Object · The culture of a curatorial course · A project under the conditions of institutional limitations or perspectives · How do things work within state institutions and how do we want to make them work in a different way? · Problematising the German photographic archive on the Adivasi of India in the Leipzig Museum of Ethnography · How can something so reproducible and unoriginal and not object-like be repatriated? · To bring that encounter in documented form back to Germany · The images helped create the Adivasi Academy in India · What has the photograph turned to? · What kind of item are we looking at? · Is this a document? · Is this in fact an object of the ancestors? · Is this a representation that equals the status of the ancestors? · The museum itself as an invention of the West now transplanted to India · The constantly shifting status of the image · How do you feed them back into a process of reading and rereading and even reconstructing a history through a constant rereading? · What can images actually do? · What do objects do? · How does meaning attach itself to images that gets shed away again through different contextualisation? · How can images become agents? Short biography Beatrice von Bismarck, professor of art history and visual culture at the Academy of Visual Arts Leipzig, is the co-founder and co-director of the project space Ausklappen... Beatrice von Bismarck, professor of art history and visual culture at the Academy of Visual Arts Leipzig, is the co-founder and co-director of the project space Kunstraum der Leuphana Universität Lüneburg and of the project space /D/O/C/K at the Academy of Visual Arts Leipzig. She initiated and co-directs the MA programme Cultures of the Curatorial. Her current research areas focus on modes of cultural production connecting theory and practice, curatorial practice, and the effects of neo-liberalism and globalisation on the cultural field. Her publications include the seminal book Interarchive: Archival Practices and Sites in the Contemporary Art Field (2002), which was edited with Hans-Peter Feldmann, Hans Ulrich Obrist, Diethelm Stoller, and Ulf Wuggenig. Beatrice von Bismarck spricht über die Entwicklung des MA Studienganges Kulturen des Kuratorischen und die Beteiligung der Studierenden am kuratorischen Projekt “The Subjective Object”. Das Projekt beschäftigt sich mit einem anthropologischen Fotoarchiv aus den späten 1920er Jahren, das die indischen Adivasi zeigt. Politische und soziohistorische Fragestellungen in Zusammenhang mit diesem Archiv werden untersucht. Kernfragen werden in Hinblick auf Kolonialismus, den anthropologischen Blick, die Rolle des Museums, den Status von Ausstellungen, die Rolle von Fotografie in Bezug zu geteilter Erinnerung sowie die ontologische Position des Fotos selbst gestellt. Synthese Produktion von Kunst und Archiven aus bestehenden Archiven · The Subjective Object · Kulturen des Kuratorischen Studiengang · Projekte unter den Bedingungen institutioneller Einschränkung oder Perspektiven · Ausklappen... Produktion von Kunst und Archiven aus bestehenden Archiven· The Subjective Object · Die Kultur eines kuratorischen Studienganges · Projekte unter den Bedingungen institutioneller Einschränkung oder Perspektiven · Wie funktionieren Dinge in staatlichen Institutionen und wie wollen wir sie auf andere Weise funktionieren lassen? · Problematisierung des deutschen Fotoarchives über die indischen Adivasi im Leipziger Museum für Ethnografie · Wie kann etwas so reproduzierbares und nicht-objekthaftes an seinen Ursprung zurückgeführt werden? · Dieses Treffen in dokumentierter Form nach Deutschland zurückbringen · Die Bilder trugen dazu bei, die Adivasi Academy in Indien zu gründen · Wohin hat sich das fotografische Bild gewendet? · Was für ein Ding sehen wir? · Ist dies ein Dokument? · Ist das hier vielleicht sogar ein Objekt der Vorfahren? · Ist dies eine Darstellung, die die Stellung der Vorfahren wertgleich repräsentiert? · Das Museum als westliche Erfindung, nach Indien übertragen · Die sich andauern verändernde Stellung des Bildes · Wie lassen sie sich wieder zurückführen in einen Prozess des Lesens, Wiederlesens und sogar der Rekonstruktion von Geschichte durch beständiges Wiederlesen? · Was können Bilder tatsächlich bewirken? · Was tun Objekte? · Wie erhalten Bilder Bedeutung, die dann durch unterschiedliche Kontexte wieder verschwindet? · Wie können Bilder aktiv handeln? Kurzbiografie Beatrice von Bismarck, Professorin für Kunstgeschichte an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig ist Mitbegründerin und Co-Direktorin des Projektraumes Kunstraum Ausklappen... Beatrice von Bismarck, Professorin für Kunstgeschichte an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig ist Mitbegründerin und Co-Direktorin des Projektraumes Kunstraum an der Leuphana Universität in Lüneburg sowie des Projektraumes D/O/C/K an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Sie begründete den MA Studiengang Kulturen des Kuratorischen und leitet diesen als Ko-Direktorin. Ihre aktuelle Forschung konzentriert sich auf Modi der Kulturproduktion und verbindet Theorie mit Praxis, kuratorischer Praxis sowie den Einflüssen des Neoliberalismus und der Globalisierung auf den Kulturbereich. Zu ihren Publikationen zählt u.a. das Buch Interarchive: Archival Practices and Sites in the Contemporary Art Field (2002), das zusammen mit Hans-Peter Feldmann, Hans Ulrich Obrist, Diethelm Stoller und Ulf Wuggenig herausgegeben wurde.

Molly Nesbit: Doubts and Habits of Actions in Time

14. Dezember 2012 / Acting Archives, Dialog ⟶

part I part II Molly Nesbit presents a lecture on the project Utopia Station and her recently published The Pragmatism in the History of Art. The book examines the pragmatism of Charles Peirce, William James, and John Dewey, considering pragmatism as essentially a way of working that starts from the present. The book scrutinises the work of Meyer Schapiro, Henri Focillon, Alexander Dorner, George Kubler, Robert Herbert, T. J. Clark, and Linda Nochlin. She discusses the distinctly pragmatic effects found in the philosophy of Michel Foucault and Gilles Deleuze and the films of Chris Marker and Jean-Luc Godard. Artists discussed include Vincent Van Gogh, Isamu Noguchi, Lawrence Weiner and Gordon Matta-Clark. Synthesis Utopia Station – Venice · Sustainable Aesthetics · Sustainability – carrying things forward in time · Doing the work of history · Utopia Station: a mind bender · Ausklappen... Utopia Station – Venice · Sustainable Aesthetics · Sustainability – carrying things forward in time · Doing the work of history · Utopia Station: a mind bender · Education is the moving of minds · Utopia Station could not be seen as a totality · It had many forms of manifestation · Difficult to define and categorise · Art brings some form of knowledge · Education is a process of dawnings · Teaching and art have a delay built into it · Chris Marker · Nicola Bouvier 1953 · The Pragmatists in America · Charles Sander Peirce, John Dewey, etc. · William James · Pragmatism – dense and modern · The pragmatists brought their own catalysts · Peirce produced the first draft of Pragmatism · Nothing new can be learned by analysing definitions · Habits of action · Posing physical problems for logic · Reality as independent of an individual person’s thoughts · How to know? · Dewey · Knowing is viewing from the outside · Art as tool and practice in service of life · Consciousness is not a separate mode of being · Their pragmatism is not our script · History can remain live · History brought through the present via writing Short biography Molly Nesbit, chair and professor in the Department of Art at Vassar College and contributing editor of Artforum. Ausklappen... Molly Nesbit, chair and professor in the Department of Art at Vassar College and contributing editor of Artforum. She is the author of Atget’s Seven Albums (1992), Their Common Sense (2000), and The Pragmatism in the History of Art (2013), the first volume in a collection of her essays. Since 2002, together with Hans Ulrich Obrist and Rirkrit Tiravanija, she has tri-curated Utopia Station, an ongoing book, exhibition, seminar, website, and street project. Teil I Teil II Molly Nesbit stellt das Projekt Utopia Station vor und hält einen Vortrag zu ihrer neuesten Publikation The Pragmatism in the History of Art. Das Buch untersucht den Pragmatismus von Charles Peirce, William James und John Dewey. Hierbei wird der Pragmatismus als eine Arbeitsweise verstanden, die von der Gegenwart ausgeht. Das Buch thematisiert unter anderem die Arbeiten von Meyer Schapiro, Henri Focillon, Alexander Dorner, George Kubler, Robert Herbert, T. J. Clark und Linda Nochlin. Molly Nesbit bespricht die eindeutigen Einflüsse des Pragmatismus auf die Philosophie von Michel Foucault und Gilles Deleuze sowie die Filme Chris Markers und Jean-Luc Godards. Künstler, die sie vorstellt, sind unter anderem Vincent Van Gogh, Isamu Noguchi, Lawrence Weiner und Gordon Matta-Clark. Synthese Utopia Station – Venedig · Nachhaltige Ästhetik · Nachhaltigkeit – Dinge in der Zeit voranbringen · Die Arbeit der Geschichte übernehmen · Utopia Station: biegt den Geist · Ausklappen... Utopia Station – Venedig · Nachhaltige Ästhetik · Nachhaltigkeit – Dinge in der Zeit voranbringen · Die Arbeit der Geschichte übernehmen · Utopia Station: biegt den Geist · Bildung ist die Bewegung des Geistes · Utopia Station konnte nicht als Gesamtheit gesehen werden · Es gab viele Darstellungsformen · Schwierig zu definieren und kategorisieren · Kunst bringt eine Form des Wissens mit sich · Bildung ist eine prozesshafte Abfolge von Erkenntnissen · Lehre und Kunst haben eine intrinsische Verzögerung · Chris Marker · Nicola Bouvier 1953 · Die Pragmatiker in den USA · Charles Sander Peirce, John Dewey · William James · Pragmatism – dicht und modern · Die Pragmatiker brachten ihre eigenen Katalysatoren · Peirce schafft den ersten Entwurf des Pragmatismus · Durch die Analyse von Definition kann nichts neues erkannt werden · Handlungsgewohnheiten · Physische Fragestellungen auf Logik überprüfen · Realität als unabhägig von den Gedanken individueller Personen · Wie kann man wissen? · Dewey · Wissen ist von außen betrachten · Kunst als Werkzeug und Praxis im Dienste des Lebens · Bewusstsein ist keine unabhängige Art des Seins · Ihr Pragmatismus ist nicht unser Fahrplan · Geschichte kann live bleiben · Geschichte wird mittels Schreiben in die Gegenwart gebracht Kurzbiografie Molly Nesbit ist Vorsitzende und Professorin der künstlerischen Fakultät am Vassar College und Redakteurin für Artforum. Ausklappen... Molly Nesbit ist Vorsitzende und Professorin der künstlerischen Fakultät am Vassar College und Redakteurin bei Artforum. Sie ist Autorin von Atget’s Seven Albums (1992), Their Common Sense (2000), und The Pragmatism in the History of Art (2013). Sie kuratierte seit 2002 gemeinsam mit Hans Ulrich Obrist und Rirkrit Tiravanija Utopia Station, ein fortlaufendes Projekt das aus einer Publikation, Seminar, Website und Straßenprojekt besteht.

Olafur Eliasson: Fourth Lecture

14. Dezember 2012 / Acting Archives, Dialog ⟶

part I part II part III Olafur Eliasson discusses methods for turning thinking into doing. He reflects on connecting art production with art education and everyday life, the value and importance of microsystems, the proper role of a museum, the function of an art archive, and art’s need for collectivity and diversity. This is the last of four lectures given by the artist in Addis Ababa in the context of an education collaboration between the Institut für Raumexperimente and the Alle School of Fine Arts and Design. Synthesis How thinking about thinking can shape things • Making art as a kind of thinking: Umsetzung • From thinking to working to sharing art: one trajectory • A system’s ability to amplify thinking • Thinking as a kind of gathering or micro-parliament • Ausklappen... How thinking about thinking can shape things • Making art as a kind of thinking: Umsetzung • From thinking to working to sharing art: one trajectory • A system’s ability to amplify thinking • Thinking as a kind of gathering or micro-parliament • Things are not static • Inner sense of responsibility in art education • Linking the art school, the art studio, and the street • Erosion at the 2nd Johannesburg Biennale • Producing meaning retroactively • What microsystems can achieve • Okwui Enwezor’s belief in microsystems as a way to combat the exclusion created by generalisation • Tossing space within a museum in contrast to the solidification celebrated in the museum’s more traditional form • Curating the documentation of an exhibition • The relationship between a museum and a work of art • Curatorial thinking • Hu Fang and Zhang Wei convincing people to live in a museum • Never Tired of Looking at Each Other – Only the Mountain and I • Flipping through a book like building a museum • Confidence in the potential in celebrating and defining a platform • This lecture as an execution of an archive • Louwrien Wijers’ living archive • Book as an archival transmitter • The meaning of shared space and the notion of public • Diversity as an asset in art • Addressing collectivity • Compromises • 121Ethiopia Short biography Olafur Eliasson, Danish-Icelandic artist, founded the Institut für Raumexperimente, an educational research project, Ausklappen... Olafur Eliasson, Danish-Icelandic artist, founded the Institut für Raumexperimente, an educational research project, affiliated with the College of Fine Arts at the Berlin University of the Arts (UdK). The fundamental trajectory of the Institut für Raumexperimente is Eliasson’s interest in testing models of learning and cultivating experimental formats. Teil I Teil II Teil III Olafur Eliasson diskutiert Methoden, mit denen Denken in praktisches Tun überführt werden kann. Er denkt darüber nach, was es bedeutet, Kunstproduktion mit Kunststudien und dem alltäglichen Leben zu verbinden, dem Wert und der Wichtigkeit von Mikrosystemen, der richtigen Rolle eines Museums, der Funktion eines Kunstarchives und dem Bedürfnis der Kunst nach Kollektivität und Diversität. Der Vortrag ist der letzte von insgesamt vier Vorträgen, die der Künstler im Rahmen einer Zusammenarbeit des Institutes für Raumexperimente mit der Alle School of Fine Arts and Design in Addis Abeba hielt. Synthese Wie das Nachdenken über Denken Dinge formen kann • Kunstschaffen als eine Art des Denkens: Umsetzung • Von Denken zu Arbeiten zum Teilen von Kunst: Eine Richtung • Die Fähigkeit eines Systemes, Denken zu verstärken • Ausklappen... Wie das Nachdenken über Denken Dinge formen kann • Kunstschaffen als eine Art des Denkens: Umsetzung • Von Denken zu Arbeiten zum Teilen von Kunst: Eine Richtung • Die Fähigkeit eines Systemes, Denken zu verstärken • Denken als eine Art des Sammelns oder als Mikroparlament • Dinge sind nicht statisch • Inneres Verantwortungsgefühl in der künstlerischen Bildung • Verbinden der Kunsthochschule, des künstlerischen Studios und der Straße • Erosion bei der 2. Johannesburg Biennale • Retroaktive Bedeutungsproduktion • Was Mikrosysteme erreichen können • Okwui Enwezors Glaube an Mikrosysteme als einem Weg zur Bekämpfung der ausschließenden Wirkung von Generalisierung • Den Raum im Museum durcheinanderwürfeln im Gegensatz zum erstarrten Raum in traditionellen musealen Formen • Kuratieren der Dokumentation einer Ausstellung • Die Beziehung zwischen einem Museum und einem Kunstwerk • Kuratorisches Denken • Hu Fang und Zhang Wei, die Menschen überzeugen in einem Museum zu leben • Never Tired of Looking at Each Other – Only the Mountain and I • Ein Buch so durchblättern als wenn man ein Museum baut • Vertrauen in das Potential darin, eine Plattform zu loben und zu definieren • Diese Vorlesung als Ausführung eines Archivs • Louwrien Wijers lebendiges Archiv • Bücher als Boten des Archivs • Die Bedeutung von geteiltem Raum und das Verständnis von Öffentlichkeit • Vielfältigkeit als Plus in der Kunst • Kollektivität ansprechen • Kompromisse • 121Ethiopia Kurzbiografie Olafur Eliasson, dänisch-isländischer Künstler, gründete das Institut für Raumexperimente, ein Studien- und Forschungsprojekt, Ausklappen... Olafur Eliasson, dänisch-isländischer Künstler, gründete das Institut für Raumexperimente, ein Studien- und Forschungsprojekt, das Teil der Fakultät für Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin (UdK) ist. Eliassons Interesse, neue Lernmodelle zu testen und experimentelle Formate zu kultivieren, ist grundlegender Bestandteil des Institutsprogramms.

Elvira Dyangani Ose: Collective Art Practices

04. Dezember 2012 / Acting Archives, Dialog ⟶

part I part II part III Elvira Dyangani Ose presents a series of works by African artists as a basis for a discussion with a group of students from Addis Ababa and Berlin. Several questions and issues are raised in relation to curatorial practices such as how an artist’s biography influences the collection of his or her work; the building of public space; the role of art in society; ‘African-ness’; Jürgen Habermas’s concept of public space; the use of public space by artists; the breakdown between centre and periphery in the art world; the politics of labelling world art in order to make it collectible; and the Western artist as opposed to the non-Western artist. Synthesis Question of identity · Post-colonialism · Growing up in Spain and studying art history · How artists deal with public space · How artists use their own biography to deal with public space · Ausklappen... Question of identity · Post-colonialism · Growing up in Spain and studying art history · How artists deal with public space · How artists use their own biography to deal with public space · What influences the collectability of art? · The influence of history and theory of architecture on Dyangani Ose’s curatorial career · Collective-ness is a central issue today · What is the role of the artist in society? · Do African artists present a notion of ‘African-ness’? · Researching African art · Dyangani Ose’s work with Tate Modern and her focus on African art · Can artists claim the public sphere as theirs? · Artist collectives around Africa · Cultural platforms that show what is happening in different African cities · Using borrowed spaces to show artists’ work · Using the public space to blur the boundaries between artist and viewer · Interdisciplinary approach to art production · Political awareness through art · First Festival of Black Art in Dakar 1966 · Initial cultural policy for African art · Raising the question of how to understand “African art” · Defining differences between how Africans see their own art in relation to how the West sees it · New internationalism · The breakdown between centre and periphery · A single mega show cannot fully represent what Africa is · Important to look at specific contexts · Who can judge “African-ness”? Short biography Elvira Dyangani Ose is a Lecturer in Visual Cultures at Goldsmiths, University of London, and curator of the eighth Göteborg International Biennial for Contemporary Art, GIBCA 2015. Ausklappen... Elvira Dyangani Ose is a Lecturer in Visual Cultures at Goldsmiths, University of London, and curator of the eighth Göteborg International Biennial for Contemporary Art, GIBCA 2015. From 2011 to 2014, she served as Curator of International Art at Tate Modern. Prior to her work at Tate, she was curator from 2004 to 2006 at the Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), Las Palmas la Gran Canaria, Spain, and from 2006 to 2008 at the Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), Seville. At the CAAM, she curated works by, among others, Nicholas Hlobo, Tracey Rose, Moshekwa Langa, Zanele Muholi, and Mikhael Sutbozky. She has curated the retrospective exhibition Carrie Mae Weems: Social Studies at CAAC (2010) and the interdisciplinary project Attempt to Exhaust an African Place at Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona (2007–2008). She was also guest curator of the triennial SUD – Salon Urbain de Douala, Douala, Cameroon (2010), and the Artistic Director of the third Rencontres Picha: Lubumbashi Biennial, Democratic Republic of Congo (2013). Dyangani Ose has published and lectured on modern and contemporary African art and has contributed to art journals such as NKA and Atlántica. Teil I Teil II Teil III Elvira Dyangani Ose präsentiert eine Reihe von Arbeiten afrikanischer Künstler, die als Diskussionsgrundlage für die Gruppe der Studierenden der Alle School of Fine Arts and Design und des Instituts für Raumexperimente dienen. Es werden Fragen in Bezug auf kuratorische Praktiken gestellt, so etwa: Welchen Einfluss hat die Biographie eines Künstlers darauf, ob seine Werke gesammelt werden? Welchen Einfluss hat das Labeln von internationaler Kunst, um diese sammelbar zu machen? Desweiteren werden Fragen zum Entstehen öffentlichen Raums und der Rolle von Kunst in der Gesellschaft gestellt. Fragen, die ebenfalls diskutiert werden, lauten: Existiert Jürgen Habermas Konzept vom öffentlichen Raum? Wie nutzen Künstler öffentlichen Raum? Gibt es Afrikanizität? Gibt es Entkopplung von Zentrum und Peripherie in der Kunstwelt? Was ist ein westlicher, beziehungsweise nicht-westlicher Künstler? Synthese Identitätsfragen · Postkolonialismus · In Spanien aufwachsen, hat Kunstgeschichte studiert · Wie gehen Künstler mit öffentlichem Raum um? · Arten, auf die Künstler ihre eigenen Biographie in Interaktion mit öffentlichem Raum nutzen · Ausklappen... Identitätsfragen · Postkolonialismus · In Spanien aufwachsen · Hat Kunstgeschichte studiert · Wie gehen Künstler mit öffentlichem Raum um? · Arten, auf die Künstler ihre eigenen Biographie in Interaktion mit öffentlichem Raum nutzen · Was beeinflusst die Sammelbarkeit von Kunst? · Geschichte und Architekturtheorie beeinflussen ihre kuratorische Laufbahn · Kollektivität ist heute ein zentrales Thema · Was ist die Rolle des Künstlers in der Gesellschaft? · Repräsentieren afrikanische Künstler eine Form von Afrikanizität? · Recherche zu afrikanischer Kunst · Beginnt bei Tate Modern zu afrikanischer Kunst zu arbeiten · Können Künstler öffentlichen Raum für sich beanspruchen? · Künstlerkollektive in Afrika · Kulturelle Plattformen, die zeigen was in afrikanischen Städten passiert · Geliehene Orte zur Ausstellung von Kunstwerken · Nutzung des öffentlichen Raums um die Grenzen zwischen Künstlern und Publikum zu verwischen · Interdisziplinärer Ansatz in Sachen Kunstproduktion · Politisches Bewusstsein durch Kunst · First Festival of Black Art in Dakar 1966 · Erste Kulturpolitik für afrikanische Kunst · Frage danach wie „afrikanische Kunst“ verstanden werden kann · Differenzen zwischen dem Verständnis von afrikanischer Kunst durch Afrikaner im Gegensatz zum Westen definieren · Neuer Internationalismus · Zusammenbruch der Trennung zwischen Zentrum und Peripherie · Eine einzige große Ausstellung kann nicht zeigen was afrikanische Kunst ist · Es ist wichtig spezifische Zusammenhänge zu betrachten · Wer legt fest was „afrikanisch“ bedeutet ? Kurzbiografie Elvira Dyangani Ose ist Lehrende für visuelle Kultur am Goldsmiths College der University of London und Kuratorin der achten Ausgabe der Göteborg International Biennial for Contemporary Art, GIBCA 2015. Ausklappen... Elvira Dyangani Ose ist Lehrende für visuelle Kultur am Goldsmiths College der University of London und Kuratorin der achten Ausgabe der Göteborg International Biennial for Contemporary Art, GIBCA 2015. Sie war von 2011 bis 2014 Kuratorin für Internationale Kunst an der Tate Modern. Zuvor war sie Kuratorin des Centro Atlántico de Arte Moderno (2004 – 2006) und am Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (2006 – 2008). Am CAAM kuratierte sie die wegweisende Ausstellung Olvida Quien Soy / Erase Me From Who I Am (2006) und zeigte hier unter anderem Werke von Nicholas Hlobo, Tracey Rose, Moshekwa Langa, Zanele Muholi und Mikhael Sutbozky. Sie kuratierte die retrospektive Ausstellung Carrie Mae Weems: Social Studies (2010) und das interdisziplinäre Projekt Attempt to Exhaust an African Place (2007–2008). Sie war außerdem Kuratorin von Arte Invisible (2009–2010), Gastkuratorin der Triennale SUD-Salon Urbain de Douala (2010) und künstlerische Leiterin der dritten Ausgabe von Rencontres Picha: Lubumbashi Biennial (2013), Demokratische Republik Kongo. Dyangani Ose publiziert zu moderner und zeitgenössischer afrikanischer Kunst, hält Vorträge und verfasst regelmäßig Beiträge für Kunstmagazine wie NKA und Atlántica.

Olafur Eliasson: Third Lecture

30. November 2012 / Acting Archives, Dialog ⟶

Teil I Teil II Teil III Olafur Eliasson continues his discussion of the challenges confronting contemporary artists, framed in a retrospective on his career so far. Eliasson speaks of the power and effect of environments, the way those environments are constructed and conditioned, and the need to understand one’s environment as a subjective and negotiable event. This is the third of four lectures given by the artist in Addis Ababa in the context of an education collaboration between the Institut für Raumexperimente and the Alle School of Fine Arts and Design. Synthesis Marathon: compilation of independent things that still overlap • Getting into the flow • Navigation is the artists’ challenge • The effect of context on a work of art • Belief • Ausklappen... Marathon: compilation of independent things that still overlap • Getting into the flow • Navigation is the artists’ challenge • The effect of context on a work of art • Belief • Passion • Noticing emotions reminds us that we are not alone • Unconscious mirroring of emotional environments • Confidence • Glass creating an inside and an outside • Glass as highly alienating and excluding • Looking through walls • Borrowed views in Chinese gardens • Lalibela void • Artists’ ability to see an ‘invisible’ space • Omgivelser, an exhibition in-between walls • Separating artworks from consumer goods • A space where our subconscious can be explored • Your house • The notion of negative spaces as positive spaces • Being so busy making sense of what we see that we don’t see most of what’s out there • Simulating various light conditions to re-exercise our vision • The influence of lighting on our perception of colour • The historical conditioning of white • Associating white with purity: the use of lime in hospitals and the whitewashing of Protestant churches during the Reformation • Experimental set-ups with light: Your relativity of white, The light setup • Room for one colour • Broadening one’s point of view • The feeling that we are not the centre of the universe • Light is not without context • Light as a discursive practice • How a work of art evolves in the world • Art and artists as part of and bound up with an often invisible system Short biography Olafur Eliasson, Danish-Icelandic artist, founded the Institut für Raumexperimente, an educational research project, Ausklappen... Olafur Eliasson, Danish-Icelandic artist, founded the Institut für Raumexperimente, an educational research project, affiliated with the College of Fine Arts at the Berlin University of the Arts (UdK). The fundamental trajectory of the Institut für Raumexperimente is Eliasson’s interest in testing models of learning and cultivating experimental formats. part I part II part III Olafur Eliasson führt seine Überlegungen zu den Herausforderungen vor denen zeitgenössische Künstler stehen weiter aus. Er setzt dies in Bezug zu einer Retrospektive seiner bisheriger Arbeiten. Eliasson spricht über die Kraft und den Einfluss, die unsere Umwelt auf uns hat, die Art auf die diese Umgebungen konstruiert und konditioniert sind und das Bedürfnis die eigene Umgebung als subjektives und verhandelbares Ereignis zu verstehen. Der Vortrag ist der dritte von insgesamt vier Vorträgen, die der Künstler im Rahmen einer Zusammenarbeit des Institutes für Raumexperimente mit der Alle School of Fine Arts and Design in Addis Abeba hielt. Synthese Marathon: Zusammenstellung unabhängiger Dinge, die immer noch Schnittpunkte haben • In den Flow kommen • Navigation ist die Herausforderung des Künstlers • Der Effekt von Kontext auf ein Kunstwerk • Glaube • Ausklappen... Marathon: Zusammenstellung unabhängiger Dinge die immer noch Schnittpunkte haben • In den Flow kommen • Navigation ist die Herausforderung des Künstlers • Der Effekt von Kontext auf ein Kunstwerk • Glaube • Leidenschaft • Gefühle zu bemerken erinnert uns daran, dass wir nicht allein sind • Unbewusstes spiegeln von emotionalen Umgebungen • Zutrauen • Glas, das ein Innen und ein Außen schafft • Glas als zutiefst entfremdend und ausschließend • Durch Wände sehen • "borrowed view" in chinesischen Gärten • Lalibela void • Die Fähigkeit des Künstlers, einen ‘unsichtbaren’ Ort zu sehen • Omgivelser, eine Ausstellung zwischen Wänden • Kunstwerke von Konsumgütern trennen • Ein Ort, an dem unser Unterbewusstes erforscht werden kann • Your house • Das Verständnis von negativen Räumen als positiven Räumen • So beschäftigt damit sein, den Dingen die wir sehen einen Sinn zu geben, dass wir das meiste gar nicht sehen • Simulation verschiedener Lichtverhältnisse um unser Sehen neu zu trainieren • Der Einfluss von Beleuchtung auf unsere Farbsicht • Die historische Konditionierung von Weiß • Assoziation von Weiß mit Reinheit: Der Gebrauch von Kalk in Krankenhäusern und das Weißen evangelischer Kirchen während der Reformation • Experimentelle Aufbauten mit Licht: Your relativity of white, The light setup • Room for one colour • Erweiterung des eigenen Blickwinkels • Das Gefühl, dass wir nicht das Zentrum des Universums sind • Licht ist nicht ohne Kontext • Licht als diskursive Praxis • Wie sich ein Kunstwerk in der Welt entwickelt • Kunst und Künstler als Teil eines oft unsichtbaren Systems, in dem sie verstrickt sind Kurzbiografie Olafur Eliasson, dänisch-isländischer Künstler, gründete das Institut für Raumexperimente, ein Studien- und Forschungsprojekt, Ausklappen... Olafur Eliasson, dänisch-isländischer Künstler, gründete das Institut für Raumexperimente, ein Studien- und Forschungsprojekt, das Teil der Fakultät für Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin (UdK) ist. Eliassons Interesse, neue Lernmodelle zu testen und experimentelle Formate zu kultivieren, ist grundlegender Bestandteil des Institutsprogramms.

Addis Art Practices Marathon

23. November 2012 / Acting Archives ⟶

The Addis Art Practices Marathon takes place at the Alle School of Fine Art and Design, Addis Ababa University, in the context of the institute’s ten-week-long presence in Addis Ababa. Participating guests speak about their backgrounds and the directions in which their interests are leading them. Additionally, they present case studies that reflect their practices, approaches, and experiences in relation to the questions below. The initial short statements and examples facilitate multilayered discussions throughout the course of the marathon, focused on contemporary art practices in Addis Ababa. Part I: Key questions What is the position from which you practice and support art today, and what is the potential as well as the responsibility of art in 21st-century Addis Ababa? Part II: Initial questions for the open discussion What is the responsibility of art education? What does it means to be an artist in Addis Ababa? What are the options for young art practices in Addis Ababa today? What are the visions? What are the resources and assets in arts in Ethiopia (as well as in Africa and the global art market)? Guest speakers: Seyoum Ayalew and Adam Michael, Ethiopian Visual Artist Association; Grima Bulti, National Museum of Ethiopia; Aida Muluneh, Addis Foto Fest; Eshetu Tiruneh, Enlightment Art Academy; Berhanu Ashagrie Deribew, Alle School of Fine Art and Design; Mihret Kebede, Netsa Art Village; Aklilu Temesgen, Five Art Studio; Meskerem Assegued, ZOMA Contemporary Art Center; moderated by Eric Ellingsen and Christina Werner, Institut für Raumexperimente Der Addis Art Practices Marathon findet an der Alle School of Fine Art and Design, Addis Abeba University im Rahmen eines zehnwöchigen Austausches mit dem Institut für Raumexperimente statt. Teilnehmende Gäste sprechen hier über ihren Hintergrund und die Richtungen, in die ihre Interessen sie führen. Zusätzlich stellen sie Fallstudien vor, die relevant für Praktiken, Ansätze und Erfahrungen im Bezug zu untenstehenden Fragen sind. Ihre kurzen Statements und Beispiele ermöglichen eine vielschichtige Diskussion mit Fokus auf zeitgenössische Kunstpraktiken in Addis Abeba. Teil I: Hauptfragen Aus welcher Position heraus praktizierst und unterstützt Du heute Kunst? Welches Potential und welche Verantwortung hat Kunst im Addis Abeba des 21. Jahrhunderts? Teil II: Ausgangsfrage für die offene Diskussion Welche Verantwortung hat künstlerische Bildung? Was bedeutet es, in Addis Abeba Künstler zu sein? Welche Möglichkeiten gibt es heutzutage in Addis Abeba für junge Kunstschaffende? Was sind die Visionen? Was sind die Ressourcen und Vorteile für Kunst in Äthiopien (sowie in Afrika und auf dem globalen Markt)? Gastteilnehmer: Seyoum Ayalew und Adam Michael, Ethiopian Visual Artist Association; Grima Bulti, Äthiopisches Nationalmuseum; Aida Muluneh, Addis Foto Fest; Eshetu Tiruneh, Enlightment Art Academy; Berhanu Ashagrie Deribew, Alle School of Fine Art and Design; Mihret Kebede, Netsa Art Village; Aklilu Temesgen, Five Art Studio; Meskerem Assegued, ZOMA Contemporary Art Center; moderiert von Eric Ellingsen und Christina Werner, Institut für Raumexperimente

Abebaw Ayalew

22. November 2012 / Acting Archives ⟶

part I part II Abebaw Ayalew delivers a lecture focused on traditional Ethiopian painting, spanning from the early period of Christianity to the present day. With the help of slides, he plots the evolution of iconographic themes over time. The presentation also highlights Ethiopia’s political and economic relationship with other countries, as illustrated by the influence that these relationships exert on Ethiopian painting, an influence that continues today. Synthesis Brief survey of Ethiopian traditional painting · Called traditional because techniques are passed down without change · Continuity through the generations · Ausklappen... Brief survey of Ethiopian traditional painting · Called traditional because techniques are passed down without change · Continuity through the generations · Christian iconography · Visual models for early iconographic paintings came from other places · The Eusebian Canons help to establish early sources of influence from the 4th century onwards · Eusebius, a monk and bible scholar, charts the relationship between the four gospels · Patterns and frames in the paintings illustrate the relationship to the Eusebian Canons · The colours in traditional paintings are limited to six: black, white, green, yellow, red, and blue · Colours reflect the availability of pigments and form a symbolic language · Portrait depictions have only three poses: front, two thirds, and profile · The first two poses reserved for holy or saintly persons · Paintings marked by symbolism rather than mimesis · Iconography a source of theological arguments · Paintings lack three-dimensionality · Depth and illusion not used · Byzantine iconography a heavy influence · Travellers brought images that were then copied and adapted · The flow of influence was one-way only: Ethiopian paintings were sent to Jerusalem and the Vatican but only as examples, not as models · Three distinct periods in Ethiopian iconography: 15th, 16th, and 18th centuries · 16th century: Jesuits arrive with models of icons and Ethiopian painting focuses on narratives · 17th century: painting more decorative · 18th century marks significant changes · Ethiopia starts trading with other countries, introducing new colours for pigments and paints · Painting no longer reserved for the clergy; nobility has itself depicted, as well, with significant changes in the visual language · Political and economic changes in Ethiopia end the traditional patronage of Ethiopian paintings · Paintings were then produced only for foreign consumption · The technological innovations of the early 20th innovations brought significant changes to traditional painting · Today it is no longer taught in schools Short biography Abebaw Ayalew is an art historian teaching at the Addis Ababa University Alle School of Fine Arts and Design. Ausklappen... Abebaw Ayalew is an art historian teaching at the Addis Ababa University Alle School of Fine Arts and Design. His research focuses on various aspects of Ethiopian art history, specifically on the history of Ethiopian painting in the 18th and 19th centuries. Recently, he has carried out extensive research on historical monuments in Addis Ababa, including one of the country’s most important, the martyrs’ monument at Yekatit 12 Square, Sidist Kilo. Teil I Teil II Abebaw Ayalew hält einen Vortrag zu traditioneller äthiopischer Malerei, angefangen in der frühchristlichen Periode bis in die Gegenwart. Anhand von Dia-Projektionen zeigt er, wie sich ikonographische Themen durch die Zeit entwickelt haben. Die Präsentation hebt außerdem die politische und wirtschaftliche Beziehung Äthiopiens zu anderen Ländern heraus. Diese lässt sich besonders gut durch den Einfluss, den solche Beziehungen auf den Stil in äthiopischer Malerei bis heute haben nachvollziehen. Synthese Kurzer Überblick zu traditioneller äthiopischer Malerei · Verstanden als traditionell weil Techniken ohne Änderungen weitergegeben werden · Kontinuität durch die Generationen · Ausklappen... Kurzer Überblick zu traditioneller äthiopischer Malerei · Verstanden als traditionell weil Techniken ohne Änderungen weitergegeben werden · Kontinuität durch die Generationen · Christliche Ikonographie · Visuelle Vorbilder für frühe Malerei kamen von anderswo · Die eusebischen Einteilungen sind ab dem 4. Jahrhundert frühe, einflussnehmende Quellen · Eusebius war ein Mönch und Bibelgelehrter · Er schuf eine Tabelle, die die Beziehung zwischen den vier Evangelien zeigte · Muster und Rahmen in den Gemälden verdeutlichen die Beziehung zu den eusebischen Einteilungen · Farbgebung in traditioneller Malerei ist auf sechs Farben beschränkt: Schwarz, Weiß, Grün, Gelb, Rot und Blau · Die Farbwahl gibt Aufschluss über die Verfügbarkeit von Pigmenten · Portraitabbildungen gibt es nur in drei Posen, frontal, zwei Drittel und Profil · Die ersten zwei: nur für Heilige oder Selige · Gemälde kommen ohne Mimesis aus · Äthiopische Gemälde sollen ausschließlich symbolisch sein · Mimesis konkretisiert ein Bild · Ikonographie wurde zur Quelle theologischer Auseinandersetzungen · Gemälde sollten nicht dreidimensional sein · Tiefe und Illusion sollen nicht verwendet werden · Byzantinische Ikonographie war ein starker Einfluss · Reisende brachten Bilder mit, die dann kopiert und imitiert wurden · Einflüsse bewegten sich nur in eine Richtung: Äthiopische Gemälde wurden nach Jerusalem und in den Vatikan gesendet, allerdings lediglich als Beispiele und nicht als Vorbilder · Drei deutlich abgrenzbare Perioden der äthiopischen Malerei im 15., 16. und 18. Jahrhundert · Ab dem 16. Jahrhundert konzentrierte sich die äthiopische Malerei auf Erzählungen · Ab dem 17. Jahrhundert wurde sie auch dekorativer · Das 18. Jahrhundert war mit deutlichen Verändernugen verbunden · Äthiopien beginnt mit anderen Ländern zu handeln · Veränderung der Farben durch neue Pigmente und fertige Malfarben · Malerei nicht länger ausschließlich für den Klerus; Adel begann sich malen zu lassen und dies veränderte die Bildsprache nachhaltig · Politische und wirtschaftliche Veränderungen in Äthiopien setzten der Dominanz traditioneller Malformen ein Ende · Gemälde wurden nur noch für landesfremde Kunden produziert · Ab dem frühen 20. Jahrhundert brachten technologische Innovationen starke Veränderungen für die traditionelle Malerei · Heute wird sie in Schulen nicht mehr gelehrt Kurzbiografie Abebaw Ayalew ist Kunsthistoriker und lehrt an der Alle School of Fine Arts and Design an der Universität in Addis Abeba. Ausklappen... Abebaw Ayalew ist Kunsthistoriker und lehrt an der Alle School of Fine Arts and Design an der Universität in Addis Abeba. Seine Forschung konzentriert sich auf verschiedene Aspekte der äthiopischen Kunstgeschichte, besonders die Geschichte der äthiopischen Malerei zwischen dem 18. und 19. Jahrhundert. Er hat aktuell umfangreiche Forschungen zu historischen Denkmälern in Addis Abeba durchgeführt, unter anderem zu einem der wichtigsten nationalen Denkmäler, dem Martyr’s Monument, Sidist Kilo.

Chantal Mouffe: Agonistic Spaces

16. November 2012 / Acting Archives, Dialog ⟶

part I part II Chantal Mouffe presents a lecture on the basic tenets of her theory of politics and how artistic practices can intervene in political processes. She first lays the philosophical ground for her lecture: the critique of Essentialism and an introduction to a discursive approach, touching on the work of Freud, Lacan, Wittgenstein, and Gadamer. Secondly, she introduces and discusses her theory of an agonistic model of democracy. In this framework, she explores the role of artistic practice within the political process and its ability to intervene and help change established hegemonies through antagonistic positioning. Synthesis Where can artistic practice intervene? · Some philosophical concepts that are important to have as a basis · Sigmund Freud · The subject is a given, an idea questioned by critical essentialism · The concept of the divided subject between the conscious and the unconscious · Psychoanalysis can help to reach the unconscious but can never master it · Ludwig Wittgenstein – the subject cannot be the source of linguistic meaning · Ausklappen... Where can artistic practice intervene? · Some philosophical concepts that are important to have as a basis · Sigmund Freud · The subject is a given, an idea questioned by critical essentialism · The concept of the divided subject between the conscious and the unconscious · Psychoanalysis can help to reach the unconscious but can never master it · Ludwig Wittgenstein – the subject cannot be the source of linguistic meaning · It is by participating in a variety of practices that the world is revealed to us · Hans-Georg Gadamer · It is by participating in languages that the world is disclosed to us · Pragmatism · There is no identity already there · Identity is constructed · Jacques Lacan · The subject is like an onion, constructed by layers of identification · The discursive approach – reality is always constructed through various discourses or signifying practices · Reality is only a product of discourse · Discourse is an articulation between linguistic things and material things · The object is always given to us by discursive articulation · The meaning of things is always constructed through a system of relations · Kicking a ball only becomes playing football when it is within a particular system of relations · Antonio Gramsci · The category of hegemony · A system of relations is always a system of power · There is no society without power · The structures can be changed but not eliminated · Every type of order is an hegemonic structure · Counter-hegemonic practices offer alternatives · There is always an alternative to the existing order · That is where artistic practices can act · Two main concepts – hegemony and antagonism · The aim of democracy is to establish a rational consensus · This is impossible, because if every order is hegemonic then there can be no reconciliation, only alternatives through antagonism · What are the consequences of this approach to democracy? · The task for political institutions is to aggregate interests and establish consensus · The pursuit of self-interest · Rational choice · John Rawls · Jürgen Habermas · To act as a citizen is to act towards the common good · Must differentiate between instrumental and communicative rationality · The role of passion in creating a collective form of identification · Affect is not irrational · We can accept a democratic model that encompasses antagonism · Democratic institutions within this model do not seek a rational consensus · Antagonism is a very specific form of conflict, one which can never reach a consensus · Antagonism in this democratic model can exist as a conflict between adversaries instead of enemies · They accept the legitimacy of their opponents · Not with the aim of destroying the other · The democratic process is accepted within the agonistic model · The opponent is treated as an equal · A process of persuasion to win over the opponent · There are competing views of the common good · Different agonistic spaces allow for different types of individualities to exist · The hegemonic model is particularly good to understand the relation between art and politics · Gramsci posited that hegemonies are created through civil society · Through a multiplicity of practices · The importance of culture in the creation and reproduction of the common sense · Our subjectivity is dependent on the types of practices in which we participate · Art and politics not separate from each other · They either contribute to the existent hegemony or they critique it · How can artistic practices have a critical position within traditional institutions today? Short biography Chantal Mouffe, political theorist educated at the universities of Louvain, Paris, and Essex, is professor of political theory at the University of Westminster. Ausklappen... Chantal Mouffe, political theorist educated at the universities of Louvain, Paris, and Essex, is professor of political theory at the University of Westminster. She has taught at many universities in Europe, North America, and Latin America and has held research positions at Harvard, Cornell, the University of California, the Institute for Advanced Study in Princeton, and the Centre National de la Recherche Scientifique in Paris. Between 1989 and 1995, she was Directrice de Programme at the College International de Philosophie in Paris. Professor Mouffe is module leader of the CSD MA modules The State, Politics and Violence and Current Issues in Democratic Theory at the University of Westminster. Teil I Teil II Chantal Mouffe hält einen Vortrag über die Grundlagen ihrer politischen Theorie und darüber wie künstlerische Praktiken in politische Prozesse eingreifen können. Zuerst legt sie die philosophische Grundlage für ihren Vortrag: Eine Kritik des Essentialismus und eine Einführung in die diskursive Theorie mit Erwähnung der Werke von Freud, Lacan, Wittgenstein und Gadamer. Danach führt sie in ihre Theorie eines agonistischen Demokratiemodells ein und diskutiert diese. Sie hinterfragt die Rolle künstlerischer Praxis innerhalb von politischen Prozessen und deren Fähigkeit einzugreifen und zur Veränderung von etablierten Herrschaftssystemen durch antagonistische Positionierung beizutragen. Synthese Wo kann künstlerische Praxis eingreifen? · Einige philosophische Konzepte die als Basis wichtig sind · Sigmund Freud · Dass das Subjekt gegeben ist wird vom kritischen Essentialismus in Frage gestellt · Konzept des geteilten Subjektes zwischen Bewusstsein und Unbewusstsein · Psychoanalyse kann helfen das Unbewusste zu erreichen, es aber nie beherrschen · Ludwig Wittgenstein – Das Subjekt kann keine Quelle linguistischer Bedeutung sein · Ausklappen... Wo kann künstlerische Praxis eingreifen? · Einige philosophische Konzepte die als Basis wichtig sind · Sigmund Freud · Dass das Subjekt gegeben ist wird vom kritischen Essentialismus in Frage gestellt · Konzept des geteilten Subjektes zwischen Bewusstsein und Unbewusstsein · Psychoanalyse kann helfen das Unbewusste zu erreichen, es aber nie beherrschen · Ludwig Wittgenstein – Das Subjekt kann keine Quelle linguistischer Bedeutung sein · Die Welt erschließt sich uns durch die Teilnahme an einer Vielzahl von Praktiken · Hans-Georg Gadamer · Durch Sprache eröffnet sich uns die Welt · Pragmatismus · Es gibt keine Identität von vornherein · Identität ist konstruiert · Jacques Lacan · Das Subjekt gleicht einer Zwiebel · Das Subjekt setzt sich aus Identifikationslagen zusammen · Der diskursive Ansatz – Realität wird durch verschiedene Diskurse oder bedeutungssetzende Praktiken geschaffen · Realität ist lediglich ein Produkt von Diskursen · Diskurs ist eine Artikulation zwischen linguistischen Dingen und materiellen Dingen · Das Objekt erhalten wir immer durch diskursive Artikulation · Die Bedeutung von Dingen wird immer durch ein Beziehungssystem geschaffen · Einen Ball zu treten wird erst dann zum Fußball spielen wenn es Teil eines besonderen Beziehungssystems ist · Chantal Mouffes Ansatz · Antonio Gramsci · Hegemonie als Kategorie · Soziale Beziehungen werden immer durch Artikulation, durch Beziehungen geschaffen · Dieses Beziehungssystem ist immer ein Machtsystem · Es gibt keine Gesellschaft ohne Macht · Strukturen können geändert werden, aber nicht ausgelöscht · Jede Art von Ordnung ist eine hegemonische Ordnung · Gegenhegemonische Praktiken bieten eine Alternative · Es gibt immer eine Alternative zur bestehenden Ordnung · Dort können künstlerische Praktiken agieren · Zwei Hauptkonzepte – Hegemonie und Antagonismus · Ziel der Demokratie ist die Etablierung eines rationale Konsens · Das ist unmöglich denn wenn jede Ordnung eine Hegemonie ist kann es keine Übereinstimmung geben, nur Alternativen durch Antagonismus · Was sind die Konsequenzen aus diesem Demokratieverständnis? · Die Aufgabe für politische Institutionen ist es Interessen anzusammeln und einen Konsens zu etablieren · Das Verfolgen eines Eigennutzes · Rationale Entscheidung · John Rawls · Jürgen Habermas · Als Bürger zu handeln bedeutet für das Gemeinwohl zu handeln · Es muss zwischen rein funktionaler und kommunikativer Rationalität unterschieden werden · Die Rolle von Leidenschaft bei der Erschaffung einer kollektiven Identifikationsform · Affektive Dimension · Affekt ist nicht irrational · Wir können ein demokratisches Modell das Antagonismen einschließt akzeptieren · Demokratische Institutionen innerhalb dieses Modells suchen nicht nach einem rationalen Konsens · Die Rolle von demokratischen Institutionen ist demnach sich zu etablieren um so Antagonismen zulassen zu können ohne dabei die demokratische Ordnung zu zerstören · Antagonismus ist eine sehr spezifische Form des Konflikts, die nie einen Konsens erreichen kann · In diesem demokratischen Modell kann Antagonismus als Konflikt zwischen Gegenspielern statt Feinden bestehen · Eine antagonistische Beziehung ist die Art von Konflikt die zwischen Gegenspielern besteht · Sie akzeptieren die Legetimität ihres Gegenüber · Ohne das Ziel den anderen zu zerstören · Der demokratische Prozess wird im agonistischen Modell akzeptiert · Im liberalen Modell ist der Gegenspieler ein Konkurrent · Der Gegenüber wird als gleichwertig behandelt · Ein Überzeugungsprozess um über den Gegenspieler zu siegen · Es gibt Ansichten über das Allgemeinwohl, die miteinander im Wettstreit stehen · Unterschiedliche antagonistische Räume ermöglichen die Existenz unterschiedlicher Arten von Individualitäten · Das hegemonistische Modell ist besonders gut um die Beziehung zwischen Kunst und Politik zu verstehen · Gramsci postulierte, dass Hegemonien durch die Zivilgesellschaft geschaffen werden · Durch eine Vielzahl an Praktiken · Die Wichtigkeit von Kultur für die Schaffung und Reproduktion gesunden Menschenverstandes · Unsere Subjektivität hängt von den Praktiken an denen wir teilhaben ab · Kunst und Politik sind nicht voneinander getrennt · Sie tragen entweder zur bestehenden Hegemonie bei oder kritisieren sie · Wie kann künstlerische Praxis innerhalb traditioneller Institutionen heute eine kritische Position haben? Kurzbiografie Chantal Mouffe, Politikwissenschaftlerin mit Ausbildung an den Universitäten Louvain, Paris und Essex ist Professorin für politische Theorie an der University of Westminster. Ausklappen... Chantal Mouffe, Politikwissenschaftlerin mit Ausbildung an den Universitäten Louvain, Paris und Essex. Sie ist Professorin für politische Theorie und Modulleiterin des CSD MA Moduls ‘The State, Politics and Violence and Current Issues in Democracy Theory’ an der University of Westminster. Sie lehrte an zahlreichen Universitäten in Europa, Nordamerika und Lateinamerika und hatte Forschungspositionen in Harvard, Cornell, der University of California, dem Institute for Advanced Studies in Princeton und am Centre National de la Recherche Scientifique in Paris inne. Zwischen 1989 und 1995 war sie Programmdirektorin des College International de Philosophie in Paris.

Olafur Eliasson: Second Lecture

15. November 2012 / Acting Archives, Dialog ⟶

part I part II part III Olafur Eliasson discusses the role of light and colour in his work as a starting point for phenomenological investigations. The lecture explores questions of authorship, the artist’s position within a network, and the potential to reach out and encounter other groups and people through an artwork. This is the second of four lectures given by the artist in Addis Ababa in the context of an education collaboration between the Institut für Raumexperimente and the Alle School of Fine Arts and Design. Synthesis Life and energy • Collective experience of watching a film • Light pollution and the experience of stars from earth • The incomprehensibility of scale • Ausklappen... Life and energy • Collective experience of watching a film • Light pollution and the experience of stars from earth • The incomprehensibility of scale • The impact of human activity • Energy inherent in colour • The role of colour and pigment in the evolutionary development of cyanobacteria • Painting: light, colour, and evolution • Experiment with colour and light: after-image film • Your uncertainty of colour matching experiment • Fundamental co-production of art • Reality not only about evaluating what we see, but also how we see it • The variety of depiction, detection, and perception of colour across language and culture • Goethe’s colour theory • Sight and the world • Gaining and losing confidence through the experience of an artwork • The mediated motion • Encountering others within an artwork • Who is the author in an artwork? • Removing the artist from the artwork • Using glaciers to create a physical relation with the environment • Creating an explicit understanding of temporality • Dynamics and vulnerability of a landscape • Destabilising what we think of as solid • Literal and figurative blindness • Denmark’s political exclusivity and The blind pavilion • Obsidian, black mirrors, and our ability to see ourselves within a context • Disconnection of the artist from the artwork • The artist is responsible for everything • Bruno Latour’s interobjectivity • Compassion and empathy • Artists’ responsibility and the spectators’ share in it Short biography Olafur Eliasson, Danish-Icelandic artist, founded the Institut für Raumexperimente, an educational research project, Ausklappen... Olafur Eliasson, Danish-Icelandic artist, founded the Institut für Raumexperimente, an educational research project, affiliated with the College of Fine Arts at the Berlin University of the Arts (UdK). The fundamental trajectory of the Institut für Raumexperimente is Eliasson’s interest in testing models of learning and cultivating experimental formats. Teil I Teil II Teil III Olafur Eliasson spricht über die Rolle von Licht und Farbe in seinem Werk als Ausgangspunkte für phänomenologische Forschung. Der Vortrag berührt Fragen von Autorschaft, der Position des Künstlers innerhalb von Netzwerken und dem Potential, die Hand auszustrecken und andere Gruppen und Menschen durch ein Kunstwerk zu berühren. Der Vortrag ist der zweite von insgesamt vier Vorträgen, die der Künstler im Rahmen einer Zusammenarbeit des Institutes für Raumexperimente mit der Alle School of Fine Arts and Design in Addis Abeba hielt. Synthesis Leben und Energie • Kollektive Erfahrung einen Film zu sehen • Lichtverschmutzung und das Erleben der Sterne von der Erde aus • Ausklappen... Leben und Energie • Kollektive Erfahrung einen Film zu sehen • Lichtverschmutzung und das Erleben der Sterne von der Erde aus • Die Unverständlichkeit von Größenordnungen • Der Einfluss menschlicher Aktivität • Energie die in Farbe steckt • Die Rolle von Farbe und Pigment in der evolutionären Entwicklung von Cyanobakterien • Malerei: Licht, Farbe und Evolution • Experiment mit Farbe und Licht: Nachbild-Film • Your uncertainty of colour matching experiment • Fundamentale Koproduktion von Kunst • In der Realität geht es nicht nur darum einzuschätzen was wir sehen sondern auch wie wir es sehen • Die unterschiedliche Abbildung, Erkennung und Wahrnehmung von Farbe in Sprachen und Kulturen • Goethes Farblehre • Sehen und die Welt • Gewinn und Verlust von Selbstvertrauen durch das Erfahren eines Kunstwerkes • The mediated motion • Andere in einem Kunstwerk treffen • Wer ist im Kunstwerk der Autor? • Den Künstler aus dem Kunstwerk entfernen • Mit Gletschern eine physische Beziehung zur Umgebung herstellen • Ein konkretes Verständnis von Zeitlichkeit schaffen • Dynamik und Verletzlichkeit einer Landschaft • Destabilisierung dessen, was wir als fest ansehen • Wörtliche und figurative Blindheit • Dänemarks politische Exklusivität und The blind pavilion • Obsidian, schwarze Spiegel und unsere Fähigkeit uns selbst in einem Zusammenhang zu sehen • Trennung des Künstlers vom Kunstwerk • Der Künstler ist für alles verantwortlich • Bruno Latour’s Interobjektivität • Mitgefühl und Empathie • Die Verantwortung des Künstlers und der Anteil des Betrachters daran Kurzbiografie Olafur Eliasson, dänisch-isländischer Künstler, gründete das Institut für Raumexperimente, ein Studien- und Forschungsprojekt, Ausklappen... Olafur Eliasson, dänisch-isländischer Künstler, gründete das Institut für Raumexperimente, ein Studien- und Forschungsprojekt, das Teil der Fakultät für Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin (UdK) ist. Eliassons Interesse, neue Lernmodelle zu testen und experimentelle Formate zu kultivieren, ist grundlegender Bestandteil des Institutsprogramms.

Olafur Eliasson: First Lecture

01. November 2012 / Acting Archives, Dialog ⟶

part I part II part III Olafur Eliasson discusses the potential of art education, the importance of connectivity and engagement for art, and art’s responsibility to social involvement. This is the first of four lectures given by the artist in Addis Ababa in the context of an education collaboration between the Institut für Raumexperimente and the Alle School of Fine Arts and Design. Synthesis Reconsidering what a school has the potential to be • The idea of a journey, a trajectory, a progression, and their relation to an art school • Ausklappen... Founder Director of the Institut für Raumexperimente in Berlin • Reconsidering what a school has the potential to be • The idea of a journey, a trajectory, a progression, and their relation to an art school • The need to focus on what is done without becoming obsessed with explanations • Traditional ‘stages of art production’ and how the institute has attempted to circumvent them • ProCoKnow Parliament and artwork production, communication, and knowledge • Artwork is relative to its engagement with the world • Artwork begins with the first feeling • The importance of having the school in Studio Olafur Eliasson and travelling with the school • Connectivity and art • Embodied and felt knowledge • The weather project • The value of collective experience • The ability to see oneself in a context is related to our ability to see oneself from the outside • Models and the relativity of reality • Model room • Your rainbow panorama • Body-artwork and body-environment relationship • Physical knowledge versus mediated knowledge • Erosion • Interventions and changing urban spaces • Artists’ responsibility for involvement and engagement • Movement and surroundings • Demystifying art for politics • Engaging critically with the art market • Double sunset and doing the impossible • Studio-school-museum interaction • Tickling experiment • Institut für Raumexperimente: vibration, connectivity, intersubjectivity • Little Sun and global shared needs Short biography Olafur Eliasson, Danish-Icelandic artist, founded the Institut für Raumexperimente, an educational research project, Ausklappen... Olafur Eliasson, Danish-Icelandic artist, founded the Institut für Raumexperimente, an educational research project, affiliated with the College of Fine Arts at the Berlin University of the Arts (UdK). The fundamental trajectory of the Institut für Raumexperimente is Eliasson’s interest in testing models of learning and cultivating experimental formats. Teil I Teil II Teil III Olafur Eliasson spricht über das Potential künstlerischer Bildung, die Wichtigkeit von Verbundenheit und Engagement für Kunst sowie die Veranwortung der Kunst, sich sozial einzubringen. Der Vortrag ist der erste von insgesamt vier Vorträgen, die der Künstler im Rahmen einer Zusammenarbeit des Institutes für Raumexperimente mit der Alle School of Fine Arts and Design in Addis Abeba hielt. Synthese Überdenken, welches Potential in einer Schule steckt; was sie sein kann • Die Vorstellung einer Reise, einer Kurve, einer Entwicklung und deren Beziehung zur Kunsthochschule • Ausklappen... Gründer und Leiter des Institut für Raumexperimente in Berlin • Überdenken, welches Potential in einer Schule steckt; was sie sein kann • Die Vorstellung einer Reise, einer Kurve, einer Entwicklung und deren Beziehung zur Kunsthochschule • Die Notwendigkeit, sich auf das zu konzentrieren was getan wird ohne besessen von Erklärungen zu werden • Traditionelle Bühnen der Kunstproduktion und wie das Institut versucht hat, diese zu umgehen • ProCoKnow Parliament und Kunstproduktion, Kommunikation und Wissen • Das Kunstwerk steht in Relation zu seinem Engagement in der Welt • Das Kunstwerk beginnt mit einem ersten Gefühl • Die Wichtigkeit, die Schule im Studio Olafur Eliasson zu haben und mit ihr reisen zu können • Vernetzbarkeit und Kunst • Verkörpertes und empfundenes Wissen • The weather project • Der Wert einer kollektiven Erfahrung • Die Fähigkeit, uns in einem Kontext zu sehen ist abhängig von unserer Fähigkeit, uns von außen zu betrachten • Modelle und die Relativität der Realität • Model room • Your rainbow panorama • Körper-Kunstwerk und Körper-Umgebung Beziehungen • Physisches Wissen versus vermitteltes Wissen • Erosion • Erfindungen und sich verändernde urbane Räume • Die Verantwortung von Künstlern für Engagement und Einmischung • Bewegung und Umgebung • Kunst für die Politik entmystifizieren • Kritische Auseinandersetzung mit dem Kunstmarkt • Your new bike • Double sunset und das Unmögliche tun • Interaktionen zwischen Studio, Schule und Museum • Kitzelexperiment • Institut für Raumexperimente: Vibration, Konnektivität, Intersubjektivität • Little Sun und global geteilte Bedürfnisse Kurzbiografie Olafur Eliasson, dänisch-isländischer Künstler, gründete das Institut für Raumexperimente, ein Studien- und Forschungsprojekt, Ausklappen... Olafur Eliasson, dänisch-isländischer Künstler, gründete das Institut für Raumexperimente, ein Studien- und Forschungsprojekt, das Teil der Fakultät für Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin (UdK) ist. Eliassons Interesse, neue Lernmodelle zu testen und experimentelle Formate zu kultivieren, ist grundlegender Bestandteil des Institutsprogramms.

Helen Zeru

11. Juli 2012 / Acting Archives, Dialog ⟶

Helen Zeru presents a selection of her visual and video work, which is followed by a general discussion about the work. Short biographyHelen Zeru studied economics at Bahir Dar University before enrolling at Addis Ababa University’s Alle School of Fine Arts and Design, where she was awarded a BFA in 2008. After graduating, she studied photography with D.E.S.T.A. for Africa. She is an active member of Netsa Art Village and works as a studio artist, freelance photographer, and as an art-therapist for several local NGOs. She has participated in group exhibitions at the Alliance Ethio-Française, the Goethe Institute, the National Museum of Ethiopia, the National Theatre Art Gallery, Netsa Art Village, the Addis Foto Fest, the Museum of Yugoslav History in Belgrade, and the Neue Nationalgalerie in Berlin. Her works in photography, video art, performance, painting, and charcoal drawings often start as reflections of personal and emotional themes before entering a broader social context, touching upon relevant and pressing social issues. Helen Zeru stellt eine Auswahl ihrer visuellen Arbeiten und ihrer Videoarbeiten vor, gefolgt von einer generellen Diskussion über ihrer Arbeit. KurzbiografieHelen Zeru studierte Wirtschaftswissenschaft an der Bahir Dar University bevor sie ein Studium an der Alle School of Fine Arts and Design an der Universität Addis Abeba begann. Hier schloss sie im Jahr 2008 ihren BFA ab. Nach dem Abschluss studierte sie Fotografie im Rahmen von D.E.S.T.A. for Africa. Sie ist aktives Mitglied des Netsa Art Village und arbeitet als Studiokünstlerin, freie Fotografin und Kunsttherapeutin für mehrere NGOs vor Ort. Sie nahm an Gruppenausstellungen der Alliance Ethio-Française, des Goethe-Instituts, des National Museum of Ethiopia, der National Theatre Art Gallery, des Netsa Art Village, des Addis Foto Fest, des Museum für Jugoslawische Geschichte in Belgrad, und der Neuen Nationalgalerie in Berlin teil. Ihre fotografischen Arbeiten, Videoarbeiten, Performances, Malereien und Kohlezeichnungen beginnen oft als Reflektion persönlicher und emotionaler Themen bevor sie einen breiteren sozialen Kontext öffnen und relevante, dringliche soziale Themen berühren.

Tamrat Gezahegne

11. Juli 2012 / Acting Archives, Dialog ⟶

Konjit Seyoum

18. Mai 2012 / Acting Archives, Dialog ⟶

Konjit Seyoum gives a short talk about her art centre and gallery in Addis Ababa. The discussion centres on ways that the space is structured as an independent project and how it manages to survive and operate within the context of Addis Ababa. Short biographyKonjit Seyoum is a freelance conference interpreter who was trained in the Department of Interpretation and Translation Studies at the University of Trieste, Italy. In 1996, she opened the Asni Gallery in Addis Ababa with the aim of promoting contemporary Ethiopian art, with a focus on experimentation and young and emerging artists. She conceived Asni as an independent alternative space that runs with no predefined programs and maintains a low budget, avoiding whenever possible aid, sponsorship, funds, and even art sales. She has curated numerous solo and group shows and has organised talks, workshops, residencies, and community projects. Seyoum also promotes innovative vegetarian cooking, drawing on traditional Ethiopian cuisine and nutrition while exploring notions of hospitality, womanhood, the personal, and spirituality. Konjit Seyoum hält einen Kurzvortrag über ihren Kunstraum in Addis Abeba. Die Diskussion konzentriert sich auf die Strukturen dieses Ortes als unabhängiges Projekt und darauf, wie es gelingt ein solches Projekt in Addis Abeba zu leiten und sein Überleben zu sichern. KurzbiografieKonjit Seyoum ist freiberufliche Konferenz-Dolmetscherin. Sie studierte am Dolmetscher- und Übersetzerinstitut der Universität Triest in Italien. Im Jahr 1996 eröffnete sie die Asni Gallery in Addis Abeba. Die Galerie setzt sich für zeitgenössische äthiopische Kunst ein, vor allem für experimentell arbeitende und junge Künstler. Sie schuf Asni als einen unabhängigen alternativen Ort, der ohne vorgefertigtes Programm und mit kleinem Budget arbeitet, wobei sie soweit möglich externe Hilfen, Sponsoring, Finanzierung und sogar Kunstverkäufe meidet. Sie kuratierte zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen und organisierte Talks, Workshops, Residencies und Gemeinschaftsprojekte. Seyoum ist Verfechterin einer innovativen vegetarischen Küche, die auf traditionellen äthiopischen Rezepten und Ernährungsweisen basiert und untersucht mit ihren Projekten das Verständnis von Gastlichkeit, Weiblichkeit sowie dem Persönlichen und Spirituellen.

Berhanu Ashagrie Deribew

18. Mai 2012 / Acting Archives, Dialog ⟶

Berhanu Ashagrie Deribew

21. November 2013 / Acting Archives, Marathon ⟶

Berhanu Ashagrie Deribew’s presentation focuses on the Alle School of Fine Arts and Design and its present and future challenges. He discusses artworks that challenge the physicality of the city and raises the question of how to go beyond this physicality by exploring the artwork’s performativity and by working with words – not in an illustrative sense, but in a way that challenges the space. Synthesis Alle School of Fine Arts and Design • Description of the work and ethos of the school • Previous projects • The physicality of the space • Ausklappen... Alle School of Fine Arts and Design • Description of the work and ethos of the school • Previous projects • The physicality of the space • Performativity of the artwork • Thinking the city beyond its physicality • Working with words • Description of work with words • here-and-now Short biography Berhanu Ashagrie Deribew’s presentation focuses on the Alle School of Fine Arts and Design and its present and future challenges. Ausklappen... Berhanu Ashagrie Deribew’s presentation focuses on the Alle School of Fine Arts and Design and its present and future challenges. He discusses artworks that challenge the physicality of the city and raises the question of how to go beyond this physicality by exploring the piece’s performativity and by working with words – not in an illustrative sense, but in a way that challenges the space. Berhanu Ashagrie Deribew konzentriert sich in seiner Präsentation auf die Alle School of Fine Arts and Design mit ihren gegenwärtigen und zukünftigen Aufgaben und Hürden. Er bespricht Kunstwerke, die die Körperlichkeit der Stadt hinterfragen. Weiterführend fragt er, wie man über diese Körperlichkeit durch eine Betrachtung der Performativität des Werkes und die Arbeit mit Sprache hinausgehen kann – nicht im illustrativen Sinne, sondern auf eine Art, die den Raum selbst herausfordert. Synthesis Alle School of Fine Arts and Design • Beschreibung der Arbeit und des Ethos der Schule • Frühere Projekte • Die Körperlichkeit des Raumes • Ausklappen... Alle School of Fine Arts and Design • Beschreibung der Arbeit und des Ethos der Schule • Frühere Projekte • Die Körperlichkeit des Raumes • Performativität des Kunstwerkes • Die Stadt über ihre Körperlichkeit hinaus denken • Arbeit mit Sprache • Beschreibung von Arbeit mit Worten • here-and-now

Poetry Jazz Night, Concert, CD & Film Release in Addis Ababa

27. Februar 2015 / Acting Archives, Kooperation, Dialog ⟶

Poetry Jazz Night, Concert & CD Release and Filmscreening 27 February 2015, 20:00 Alliance Ethio-Française d’Addis-Abeba Wavel street Addis Ababa, Ethiopia A-B-A-B-A : from here to hear is an experiment with rhythms of poetry, soundings, in-voicing, performing, rehearsing, translating and playing together. It is the third experimental get-together of poets, musicians and translators based in Addis Ababa and in Berlin, who join in this exercise of styles. Spoken poetry has a long history in Ethiopia, with Poetic Jazz being one of its contemporary expressions. Poetic Jazz crosses genetic material from music and poetry in a way that discovers a style and form based in listening. Rhythms, styles, and modes of playing are created between the musicians and the poets and reflect the specific quality of the poems being performed. Contemporary expressions of this tradition are tested in an artistic dialogue by Gashaw Abateneh (musician, Addis Ababa), Mihret Kebede (poet, Addis Abeba), Erica Licht (poet, Addis Ababa), Robert Lippok (musician, Berlin), Bekele Mekonnen (poet, Addis Ababa), Nebiy Mekonnen (poet/translator, Addis Ababa), Abebaw Melaku (poet, Addis Abeba), Rike Scheffler (poet, Berlin), Misrak Terefe (poet, Addis Abeba), and Moseb Traditional Music Band (Addis Ababa). On the occasion a new album is launched, featuring recordings of the latest experimental live performances which took place in Berlin in July 2014. Spanning Amharic, English and German, the album A-B-A-B-A : from hear to here includes poems, performances, translations and sounds by Eric Ellingsen (poet/writer, Berlin/US), Mihret Kebede (poet, Addis Abeba), Robert Lippok (musician, Berlin), Abebaw Melaku (poet, Addis Abeba), Jorga Mesfin (musician, Addis Abeba), Rike Scheffler (poet, Berlin), Misrak Terefe (poet, Addis Abeba), Uljana Wolf (poet, Berlin). The release is accompanied by a documentary and short film by artist and film maker Clara Jo (Berlin/US). About the participating artists, poets and musicians Gashaw Abateneh is a renowned musician and performer, known for his patriotic recitals and performances of Ethiopian battle songs in traditional acting style. He regularly stars at the Ethiopian National Theatre. Mihret Kebede is an artist, poet, and the founding director of the Netsa Art Village artist collective in Addis Ababa. Renowned for her poetry readings and experimental artworks, Kebede is also a founding member of Tobiya Poetic Jazz Group and is featured on the Tobiya poetic jazz DVD, Vol.1. Erica Licht focuses her research and work on creating bridges between community members and stakeholders, through dialogue and holistic environmentally conscious curriculum. Her practice has spanned leadership development, radio production, and anti-violence programs, including sites of the African Diaspora and Sub-Saharan Africa, with long-term posts in Trinidad, Jamaica, Uganda, Nigeria, Ethiopia, and the United States. Erica holds a B.A. in Africana Studies and Geography from Vassar College, where she was the recipient of the Paul Robeson Prize for the best senior thesis in the Department of Africana Studies, and the Frederic C. Wood Prize for excellence in morals and ethics. Robert Lippok is a musician and artist based in Berlin. He is a cofounder of the music groups Ornament und Verbrechen and To Rococo Rot. Recent works include ηχώ at the Festival of Future Nows, Neue Nationalgalerie Berlin (2014); the album Instrument with To Rococo Rot (City Slang, 2014); Daylightastronomy, music performance, Mutek, Montreal, Canada (2014); 24h Dahlem, music for a video installation by Clara Jo (2012–14); The Persistence of Memory, music performance with Nino Errera, Ethnologisches Museum, Berlin (2014); and Betón Brut, with Ronald Lippok, music for an exhibition by Arno Brandlhuber, NBK, Berlin (2014). Abebaw Melaku is a poet and journalist. He is a founding member of Tobiya Poetic Jazz Group and a radio journalist affiliated with the Ethiopian radio show ‘Addis Zema’. He published a volume of poetry called Keradion in 2007 and an audio poetry CD in 2008. The Moseb Traditional Music Band was established in 2013 with musicians playing basic traditional music instruments like base and lead kirar, drum, flute and masinko. They have been performing at different stages, cultural institutes, theatres, and jazz clubs, and have also collaborated with other established musicians in the country on various occasions. The band includes members: Tewodros Alemu (Saxophone), Solomon Betre Mariyam (Trumphet), Biniam Dagnachew (Lead kirar), Abu Gebre (Flute), Yigerem Gulilat (Bass kirar), Dawit Lisanu (Masinko), Robel Solomon (Drums). Bekele Mekonnen is a visual artist, poet, and educator. He has had numerous critically acclaimed exhibitions in Ethiopia, Europe and the USA, and has been awarded a number of residencies, fellowships, and awards both at home and abroad, including the Chicago Artists International Program, the Scholar Rescue Fund, and at the Maryland Institute College of Art in Baltimore, Maryland, USA. Bekele earned a Masters degree in Fine Arts from Moscow State Institute of Fine Arts in 1993. He served two terms (2000-2004 and 2009-2011) as the director of Ale School of Fine Arts and Design in Addis Ababa, where he is currently teaching as an Assistant Professor. From 2008-2010 he was director of the Modern Art Museum / Gebre Kristos Desta Center in Addis Ababa. Rike Scheffler, based in Berlin, creates work at the intersection of poetry and music. She has published work in many journals and anthologies, and has set them in song, text, and tone collages for the stage. She studied creative writing at the Deutschen Literaturinstitut in Leipzig and psychology at the Freie Universität in Berlin. Her poetry collection der rest ist resonanz appeared in the fall of 2014 from kookbooks Verlag. Rike Scheffler was a finalist at the 20th Open Mike and a grant recipient of the Stiftung Brandenburger Tor in Copenhagen. She helped found the poetry collective G13, a group of writers who bring together poetry with experimental stage productions and regularly organise open writing workshops in Berlin in an effort to encourage solidarity and a critical exchange among authors. She enjoys challenging common perceptions through small words and sounds and creating spaces through language. Misrak Terefe is an Ethiopian poet and the first female poet to publish a poetry VCD. She has contributed to different group publications with other writers and is featured on the Tobiya poetic jazz DVD, Vol.1. She is also a founding member of Tobiya Poetic Jazz Group, having been involved with the organization since 2008. In dialogue with: Nebiy Mekonnen is a renowned poet, journalist, playwright and translator who has published poetry books and various essays. Nebiy is best known for “Negem lela ken new”, a translation into Amharic of the novel “Gone with the Wind”, which he wrote on 3000 cigarette paper pieces while in prison for a decade during the Derge Regime. He is also editor-in-chief of the popular weekly newspaper Addis Admass. Christina Werner is a curator and educator based in Berlin. She is co-director of the Institut für Raumexperimente and co-initiator and coordinator of the project Acting Archives–Media Lab for Artistic Research and Education developing collaboration and education formats between artists and educators based in Addis Ababa and Berlin on the subject of artistic translation and proactive archiving. — This event is part of Acting Archives, a project by the Institut für Raumexperimente, Berlin University of the Arts and the Alle School of Fine Arts and Design, Addis Ababa University. It is choreographed by Mihret Kebede and Christina Werner and hosted by the Alliance Ethio-Française d’Addis-Abeba; supported by Studio Olafur Eliasson, and funded by the TURN Fund of the German Federal Cultural Foundation. Poetry Jazz Night, Concert & CD Release and Filmscreening 27. Februar 2015, 20:00 Alliance Ethio-Française d’Addis-Abeba Wavel street Addis Ababa, Ethiopia A-B-A-B-A : from here to hear ist die dritte experimentelle Lyrikveranstaltung, die Dichter, Musiker und Übersetzer aus Addis Abeba und Berlin im Rahmen dieser Stilübungen zusammenbringt. Der Workshop findet an der Alle School of Fine Arts and Design statt. Dort werden neue Strukturen und Methoden im gemeinsamen Dialog getestet: der Workshop lädt ein, sich mit der Tradition mündlicher Überlieferung in der amharischen Poesie-Kultur zu befassen, mit Übersetzungen und Interpretationen zwischen Deutsch, Englisch und Amharisch als auch mit performativen Aufführungselementen, mit Musiktraditionen der traditionellen äthiopischen Musik, Jazz-Elementen und zeitgenössicher elektronischen Musik. Die gemeinsamen Proben finden ihren Höhepunkt in einem Poesie-Konzert-Abend, der in der Alliance Ethio-Française d’Addis-Abeba stattfindet und von einer CD-Vorstellung und der Premiere des Dokumentarfilms von Clara Jo begleitet wird. Teilnehmende Künstler sind Gashaw Abateneh, Mihret Kebede, Erica Licht, Robert Lippok, Bekele Mekonnen, Nebiy Mekonnen, Abebaw Melaku, Rike Scheffler, Misrak Terefe und die Moseb Traditional Music Band. Über die teilnehmenden Künstler, Poeten und Musiker: Clara Jo ist Künstlerin, lebt und arbeitet in Berlin. Gashaw Abateneh ist ein renommierter Musiker und Performer, bekannt für seine patriotischen Vokalstücke und den performativen Vortrag von traditionellen äthiopischen Krieg- und Kampflieder. Er tritt regelmäßig im Äthiopischen Nationaltheater auf. Mihret Kebede ist eine Künstlerin, Dichterin und Gründungsdirektorin des Netsa Art Village Künstlerkollektivs in Addis Abeba. Sie ist für ihre Gedichtlesungen und experimentellen Kunstwerke bekannt und außerdem Gründungsmitglied der Tobiya Poetic Jazz Group, auf deren Platte Tobiya Poetic Jazz DVD, Vol.1. sie zu hören ist. Erica Licht ist Beraterin und Mediatorin, die im Bereich der Entwicklung von Führungsqualitäten, von Radioproduktionen und von Gewaltpräventionsprogrammen arbeitet. Sie ist Fulbright Scholar und der Schwerpunkt ihrer Forschung und Arbeit ist es, zwischen Community- Mitgliedern und verschiedenen Interessengruppen durch Dialog und ganzheitliche umweltbewusste Themensetzung zu vermitteln. Die afrikanischen Diaspora und Afrika südlich der Sahara sind Teil ihrer Forschung, verbunden mit langfristigen Aufenthalten in Trinidad, Jamaika, Uganda, Nigeria, Äthiopien und den Vereinigten Staaten. Erica schloss mit einem B.A. in African Studies und Geographie von Vassar College ab, sie erhielt den Paul Robeson Preis für die beste Abschlussarbeit im Fachbereich African Studies und den Frederic C. Wood-Preis für Spitzenleistungen im Bereich Moral und Ethik. Robert Lippok ist ein in Berlin lebender Musiker und Künstler. Er ist Mitbegründer der Bands Ornament und Verbrechen und To Rococo Rot. Aktuelle Arbeiten umfassen ηχώ im Rahmen des Festival of Future Nows an der Neuen Nationalgalerie Berlin (2014), das Album Instrument mit To Rococo Rot (City Slang, 2014), die Musikperformance Daylightastronomy, Mutek, Montreal, Canada (2014), ein Musikvideo zu einer Installation von Clara Jo (2012–14); Die Musikperformance The Persistence of Memory gemeinsam mit Nino Errera, Ethnologisches Museum Berlin (2014); sowie Betón Brut gemeinsam mit Ronald Lippok, Musik für eine Ausstellung von Arno Brandlhuber, NBK, Berlin (2014). Bekele Mekonnen ist bildender Künstler, Dichter und Pädagoge. Er hat zahlreiche Ausstellungsbeteilungen in Äthiopien, Europa und den USA und eine Reihe von Residenzen, Stipendien und Auszeichnungen im In- und Ausland, darunter am Maryland Institute College of Art in Baltimore, Maryland, US, das Chicago Artists International Program, und Scholar Rescue Fund. Bekele erwarb 1993 seinen Master-Abschluss Kunst an der Moskauer Hochschule für Malerei, Bildhauerei und Architektur. Er diente zwei Amtszeiten (2000 – 2004 und 2009 – 2011) als Direktor der Alle School of Fine Arts and Design, wo er derzeit als Professor lehrt. Von 2008 – 2010 war er Direκtor des Museums für Moderne Kunst / Gebre Kristos Desta Center in Addis Abeba. Abebaw Melaku ist Dichter und Journalist. Er ist Gründungsmitglied der Tobiya Poetic Jazz Goup und arbeitet als Radiojournalist.Er hat im Jahr 2007 einen Gedichtband mit dem Titel Keradion herausgegeben sowie eine Audio- CD mit Gedichten im Jahr 2008. Misrak Terefe ist äthiopische Dichterin und die erste weibliche Dichterin die eine VCD mit Gedichten herausbrachte. Sie trug zu verschiedenen Gruppenpublikationen bei und ist auf der Tobiya Poetic Jazz DVD, Vol.1. zu hören. Außerdem ist sie Gründungsmitglied der Tobiya Poetic Jazz Group mit der sie seit dem Jahr 2008 zusammenarbeitet. Rike Scheffler lebt in Berlin und arbeitet auf der Grenze zwischen Dichtung und Musik. Sie hat in verschiedenen Journals und Anthologien veröffentlicht und ihre Arbeiten als Lieder, Texte und Klangcollagen für die Bühne adaptiert. Sie studierte Kreatives Schreiben am Deutschen Literaturinstitut in Leipzig und Psychologie an der Freien Universität Berlin. Ihre Gedichtsammlung der rest ist resonanz erschien im Herbst 2014 bei kookbooks. Rike Scheffler war eine Finalistin des 20. Open Mike und Stipendiantin der Stiftung Brandenburger Tor in Kopenhagen. Sie ist Mitbegründerin des Lyrikkollektivs G13, einer Autorengruppe Gruppe die Dichtung mit experimenteller Bühnenproduktion zusammenbringt und in regelmäßigen Abständen offene Schreibworkshops in Berlin veranstaltet, um Solidarität und kritischen Austausch zwischen KünstlerInnen zu unterstützen. Sie hinterfragt mit Vorliebe als gegeben vorausgesetzte Wahrnehmung durch kleine Wortinterventionen, Klänge und Sprachräume. Moseb Traditional Music Band wurde vor zwei Jahren gegründet, die Mitglieder spielen traditionelle Musikinstrumente wie Kirar, Trommel, Flöte und Masink. Die Band etablierte sich mit ihrem Programm und spielt in Kulturinstituten, Theatern und Jazz-Clubs. Die Band kooperiert regelmäßig mit anderen äthiopischen Musikern. Moseb Traditional Music Band (Addis Abeba): Tewodros Alemu (Saxophon), Solomon Betre Mariyam (Trompete), Biniam Dagnachew Poesie-Workshop und Veranstaltung A-B-A-B-A : from here to hear (Lead Kirar), Abu Gebre (Flöte), Yigerem Gulilat (Bass Kirar), Dawit Lisanu (Masinko), Robel Solomon (Schlagzeug). Im Gespräch mit: Nebiy Mekonnen ist ein bekannter Dichter, Journalist, Dramatiker und Übersetzer, der Poesie-Bücher und verschiedene Aufsätze veröffentlicht hat. Nebiy Mekonnen ist bekannt für “Negem lela ken neu”, eine Übersetzung des Buches “Vom Winde verweht” ins Amharische, die er auf 3000 einzelnen Zigarettenpapierstücke während seiner Jahre im Gefängnis während des Derge Regimes schrieb. Er ist darüber hinaus Chefherausgeber der beliebten Wochenzeitung “Addis admass”. Christina Werner kuratierend und lehrend in Berlin tätig. Sie ist Co-Direktorin des Instituts für Raumexperimente und Co-Initiatorin des Projekts Acting Archiv – Media Lab für künstlerische Forschung und Bildung, das die Entwicklung von Kooperationen für Kunst- und Bildungsformate zwischen Künstlern und Lehrenden aus Addis Ababa und Berlin zu Themen von Übersetzung und proaktiver Archivierung mit künstlerischen Mitteln verfolgt. — Eine Veranstaltung im Rahmen von Acting Archives, einem Projekt des Instituts für Raumexperimente der Universität der Künste Berlin und der Alle School of Fine Arts and Design, Addis Ababa University. Die Veranstaltung ist choreographiert von Mihret Kebede and Christina Werner, in Zusammenarbeit mit der Alliance Ethio-Française d’Addis-Abeba; unterstützt durch Studio Olafur Eliasson, gefördert im Fonds TURN der Kulturstiftung des Bundes.

A-B-A-B-A : from hear to here (album)

Acting Archives, Kooperation, Publikation ⟶

Alphabet False Friends and Babeltrack It's me Ambassel Husbands of My Dear Country A-B-A-B-A : from hear to here features recordings of a series of experimental live performances which took place in Berlin in July 2014. Blending structures of listening, playing and translating, the CD documents the concert and poetry night realised together with Palais Wittgenstein in Roter Salon at the Volksbühne Berlin. Spanning Amharic, English and German, the album a-b-a-b-a : from hear to here includes poems, performances, translations and sounds by the following poets, musicians and translators: Eric Ellingsen (poet/writer, Berlin/US), Mihret Kebede (poet, Addis Ababa), Robert Lippok (musician, Berlin), Abebaw Melaku (poet, Addis Ababa), Jorga Mesfin (musician, Addis Ababa), Rike Scheffler (poet, Berlin), Misrak Terefe (poet, Addis Ababa), Uljana Wolf (poet/translator, Berlin). Tracks 1. I’m in performed by Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Abebaw Melaku, and Misrak Terefe 2. All Here’s / አሜን Amen – A Blessing poem written and performed by Eric Ellingsen / blessing performed by Mihret Kebede, accompanied by Abebaw Melaku and Misrak Terefe 3. Ethio Jazz introduction by Jorga Mesfin (saxophone) 4. ፊደል Alphabet / False Friends and Babeltrack performed by Mihret Kebede, Abebaw Melaku, Jorga Mesfin (piano), and Misrak Terefe / performed by Uljana Wolf 5. እኔ ነኝ It’s Me poem written and performed by Abebaw Melaku, accompanied by Mihret Kebede, Robert Lippok (live electronics), Jorga Mesfin (piano), and Misrak Terefe 6. አምባሰል Ambassel saxophone solo performed by Jorga Mesfin 7. False Friends introduction by Uljana Wolf 8. False Friends poem written and performed by Uljana Wolf 9. አቃጅ / The Planner poem by Mihret Kebede, translated by Uljana Wolf; performed by Mihret Kebede and Uljana Wolf 10. የሀገሬ ባሎች / Husbands of My Dear Country poem by Mihret Kebede, translated by Eric Ellingsen, Jorga Mesfin, and Uljana Wolf; performed by Mihret Kebede and Uljana Wolf, accompanied by Jorga Mesfin (piano) 11. Murmur poem written and performed by Eric Ellingsen, accompanied by Robert Lippok (live electronics) and Jorga Mesfin (piano) 12. አድዋ Adwa poem written and performed by Abebaw Melaku, accompanied Mihret Kebede, Robert Lippok (live electronics), Jorga Mesfin (saxophone), and Misrak Terefe 13. እንቁጣጣሽ / Enkutatash poem by Misrak Terefe, translated by Rike Scheffler; performed by Misrak Terefe and Rike Scheffler, accompanied by Mihret Kebede, Abebaw Melaku, and Jorga Mesfin (piano) 14. angenommen aber poem written and performed by Rike Scheffler, accompanied by Robert Lippok (live electronics) 15. Honey, I’m home poem written and performed by Rike Scheffler, accompanied by Misrak Terefe 16. Jan Meda by Robert Lippok (live electronics) and Jorga Mesfin (saxophone) 17. Twisted poem written and performed by Eric Ellingsen, accompanied by Robert Lippok (live electronics) 18. እስከማዕዜኑ / Up to the End poem by Abebaw Melaku, translated by Eric Ellingsen and Jorga Mesfin; performed by Abebaw Melaku and Eric Ellingsen, accompanied by Mihret Kebede, Jorga Mesfin (saxophone), and Misrak Terefe 19. Heart poem by Eric Ellingsen, performed by Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Robert Lippok, Abebaw Melaku, Jorga Mesfin, Rike Scheffler, Misrak Terefe, and Uljana Wolf Album: a-b-a-b-a : from hear to here; CD: 19 tracks, 70 min; Recorded and mixed by Robert Lippok; Mastered by Bo Kondren at Calyx Mastering Berlin; Manufactured by Gusstaff Records; Graphic design by Basics09; Produced by Christina Werner & Robert Lippok & Institut für Raumexperimente, UdK Berlin; 2015 — A-B-A-B-A : from hear to here is part of Acting Archives, a project by the Institut für Raumexperimente, Berlin University of the Arts and the Alle School of Fine Arts and Design, Addis Ababa University, supported by Studio Olafur Eliasson, and funded by the TURN Fund of the German Federal Cultural Foundation. Alphabet False Friends and Babeltrack It's me Ambassel Husbands of My Dear Country A-B-A-B-A : from hear to here präsentiert Aufnahmen einer experimentellen Live-Performance, die im Juli 2014 in Berlin stattfand. Die CD dokumentiert diesen Poesie-Konzertabend, der in Zusammenarbeit mit Palais Wittgenstein im Roten Salon der Volksbühne Berlin realisiert wurde und auf Formen von Zuhören, Improvisieren und Übersetzen basiert. Das Album a-b-a-b-a : from hear to here umfasst Gedichte, Performances, Übersetzungen und Vertonungen auf Amharisch, Deutsch und Englisch und stellt die folgenden Dichter, Musiker und Übersetzer vor: Eric Ellingsen (Dichter/Autor, Berlin/US), Mihret Kebede (Dichterin, Addis Abeba), Robert Lippok (Musiker, Berlin), Abebaw Melaku (Dichter, Addis Abeba), Jorga Mesfin (Musiker, Addis Abeba), Rike Scheffler (Dichterin, Berlin), Misrak Terefe (Dichterin, Addis Abeba), Uljana Wolf (Dichterin/Übersetzerin, Berlin). Titel 1. I’m in vorgetragen von Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Abebaw Melaku und Misrak Terefe 2. All Here’s / አሜን Amen – A Blessing Gedicht verfasst und vorgetragen von Eric Ellingsen / vorgetragen von Mihret Kebede, begleitet von Abebaw Melaku und Misrak Terefe 3. Ethio Jazz introduction von Jorga Mesfin (Saxophon) 4. ፊደል Alphabet / False Friends and Babeltrack vorgetragen von Mihret Kebede, Abebaw Melaku, Jorga Mesfin (Klavier), und Misrak Terefe / vorgetragen von Uljana Wolf 5. እኔ ነኝ It’s Me Gedicht verfasst und vorgetragen von Abebaw Melaku, begleitet Mihret Kebede, Robert Lippok (Live-Electronics), Jorga Mesfin (Klavier) und Misrak Terefe 6. አምባሰል Ambassel Saxophon-Solo von Jorga Mesfin 7. False Friends introduction von Uljana Wolf 8. False Friends Gedicht verfasst und vorgetragen von Uljana Wolf 9. አቃጅ / The Planner Gedicht von Mihret Kebede, übersetzt von Uljana Wolf; vorgetragen von Mihret Kebede und Uljana Wolf 10. የሀገሬ ባሎች / Husbands of My Dear Country Gedicht von Mihret Kebede, übersetzt von Eric Ellingsen, Jorga Mesfin, und Uljana Wolf; vorgetragen von Mihret Kebede und Uljana Wolf, begleitet Jorga Mesfin (Klavier) 11. Murmur Gedicht verfasst und vorgetragen von Eric Ellingsen, begleitet von Robert Lippok (Live-Electronics) und Jorga Mesfin (Klavier) 12. አድዋ Adwa Gedicht verfasst und vorgetragen von Abebaw Melaku, begleitet von Mihret Kebede, Robert Lippok (Live-Electronics), Jorga Mesfin (Saxophon) und Misrak Terefe 13. እንቁጣጣሽ / Enkutatash Gedicht von Misrak Terefe, übersetzt von Rike Scheffler; vorgetragen von Misrak Terefe und Rike Scheffler, begleitet von Mihret Kebede, Abebaw Melaku und Jorga Mesfin (Klavier) 14. angenommen aber Gedicht verfasst und vorgetragen von Rike Scheffler, begleitet von Robert Lippok (Live-Electronics) 15. Honey, I’m home Gedicht verfasst und vorgetragen von Rike Scheffler, begleitet von Misrak Terefe 16. Jan Meda von Robert Lippok (Live-Electronics) und Jorga Mesfin (Saxophon) 17. Twisted Gedicht verfasst und vorgetragen von Eric Ellingsen, begleitet von Robert Lippok (Live-Electronics) 18. እስከማዕዜኑ / Up to the End Gedicht von Abebaw Melaku, übersetzt von Eric Ellingsen und Jorga Mesfin; vorgetragen von Abebaw Melaku und Eric Ellingsen, begleitet von Mihret Kebede, Jorga Mesfin (Saxophon) und Misrak Terefe 19. Heart Gedicht von Eric Ellingsen, vorgetragen von Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Robert Lippok, Abebaw Melaku, Jorga Mesfin, Rike Scheffler, Misrak Terefe und Uljana Wolf Titel: A-B-A-B-A : from hear to here; CD: 19 Titel, 70 min; Aufnahme: Robert Lippok; Mastering: Bo Kondren bei Calyx Mastering Berlin; Produziert von Gusstaff Records; Grafikdesign von Basics09; Herausgegeben von Christina Werner & Robert Lippok & Institut für Raumexperimente, UdK Berlin; 2015 — A-B-A-B-A : from hear to here entstand im Rahmen von Acting Archives, einem Projekt des Instituts für Raumexperimente der Universität der Künste Berlin und der Alle School of Fine Arts and Design, Addis Ababa University, unterstützt durch Studio Olafur Eliasson, gefördert im Fonds TURN der Kulturstiftung des Bundes.

A-B-A-B-A : from here to hear. A film by Clara Jo

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A-B-A-B-A: from here to hear. A film by Clara Jo The collaboration ‚A-B-A-B-A : from hear to here‘ evolved as a series of workshops and poetry events in Addis Ababa and Berlin starting in 2012. Testing new structures and methods in an artistic dialogue, the series set out to explore oral traditions in Amharic poetry culture, translations and interpretations between German, English and Amharic, and performative elements on stage, including traditional Ethiopian music combined with contemporary jazz elements and electronic music. Clara Jo’s film A-B-A-B-A : from here to hear follows the participating artists from stage to stage, from Volksbühne Berlin (July 2014) and the Alliance Ethio-Française d’Addis-Abeba (February 2015), and features interviews which reflect on various traditions within contemporary practice. — A-B-A-B-A : from here to hear (2016) Director: Clara Jo Featuring: Gashahn Abateneh, Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Erica Licht, Robert Lippok, Nebiy Mekonnen, Abebaw Melaku, Jorga Mesfin, Ari Benjamin Meyers, Bekele Mekonnen, Rike Scheffer, Misrak Terefe, Christina Werner, Uljana Wolf, The Moseb Traditional Music Band, Addis Ababa. Credits Director: Clara Jo; DP: Michael Laakmann; Camera Assistant: Christopher Haug; Sound Recordists: Montse Torredà Martí, Nicholas Ricciardi, Clara Jo; Edit: Clara Jo, Carolina Hellsgård; Translator: Temesgen H. Dadi; Advisor: Christina Werner; Featuring: Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Robert Lippok, Abebaw Melaku, Jorga Mesfin, Ari Benjamin Meyers, Rike Scheffler, Misrak Terefe, Uljana Wolf. — The event series A-B-A-B-A : from hear to here is part of the project Acting Archives, a collaboration initiated by Institut für Raumexperimente, Berlin University of the Arts together with the Alle School of Fine Arts and Design, Addis Ababa University. The series is choreographed by Christina Werner and Eric Ellingsen; realized together with Palais Wittgenstein/Roter Salon at Volksbühne Berlin and the Alliance Ethio-Française d’Addis-Abeba. It is supported by Studio Olafur Eliasson, and funded by the TURN Fund of the German Federal Cultural Foundation. A-B-A-B-A: from here to hear. A film by Clara Jo The collaboration ‚A-B-A-B-A : from hear to here‘ evolved as a series of workshops and poetry events in Addis Ababa and Berlin starting in 2012. Testing new structures and methods in an artistic dialogue, the series set out to explore oral traditions in Amharic poetry culture, translations and interpretations between German, English and Amharic, and performative elements on stage, including traditional Ethiopian music combined with contemporary jazz elements and electronic music. Clara Jo’s film A-B-A-B-A : from here to hear follows the participating artists from stage to stage, from Volksbühne Berlin (July 2014) and the Alliance Ethio-Française d’Addis-Abeba (February 2015), and features interviews which reflect on various traditions within contemporary practice. — A-B-A-B-A : from here to hear (2016) Director: Clara Jo Featuring: Gashahn Abateneh, Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Erica Licht, Robert Lippok, Nebiy Mekonnen, Abebaw Melaku, Jorga Mesfin, Ari Benjamin Meyers, Bekele Mekonnen, Rike Scheffer, Misrak Terefe, Christina Werner, Uljana Wolf, The Moseb Traditional Music Band, Addis Ababa. Credits Director: Clara Jo; DP: Michael Laakmann; Camera Assistant: Christopher Haug; Sound Recordists: Montse Torredà Martí, Nicholas Ricciardi, Clara Jo; Edit: Clara Jo, Carolina Hellsgård; Translator: Temesgen H. Dadi; Advisor: Christina Werner; Featuring: Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Robert Lippok, Abebaw Melaku, Jorga Mesfin, Ari Benjamin Meyers, Rike Scheffler, Misrak Terefe, Uljana Wolf. — The event series A-B-A-B-A : from hear to here is part of the project Acting Archives, a collaboration initiated by Institut für Raumexperimente, Berlin University of the Arts together with the Alle School of Fine Arts and Design, Addis Ababa University. The series is choreographed by Christina Werner and Eric Ellingsen; realized together with Palais Wittgenstein/Roter Salon at Volksbühne Berlin and the Alliance Ethio-Française d’Addis-Abeba. It is supported by Studio Olafur Eliasson, and funded by the TURN Fund of the German Federal Cultural Foundation.

A Suite of Contemporary Ethiopian Poetry

01. Februar 2015 / Acting Archives, Publikation ⟶

Roter Salon. A-B-A-B-A: from hear to here. Ein Film von Clara Jo

24. Oktober 2014 / Acting Archives, Making-of ⟶

Roter Salon. A-B-A-B-A: from hear to here, a film by Clara Jo Roter Salon. A-B-A-B-A: from hear to here (2014) A film by Clara Jo As a continuation of the poetry event “Ishe get ‚um, OK Poetry” held at Jan Meda Field in 2012, members of the Poetic Jazz Group collaborate with Berlin-based poets, artists and musicians in an experimental workshop, the aim of which had been to translate and transcribe contemporary poetry practices back into performance. The film follows this three-day-long workshop and presentation of poetry jazz concert that brought together poets, musicians, artists, and translators from Addis Ababa and Berlin at Roter Salon/Volksbühne in Berlin, 2014. — The event series A-B-A-B-A : from hear to here is a collaboration initiated by Institut für Raumexperimente, Berlin University of the Arts as part of the project Acting Archives. Choreographed by Christina Werner and Eric Ellingsen; realized together with Palais Wittgenstein/Roter Salon at Volksbühne Berlin; funded by the TURN Fund of the German Federal Cultural Foundation. Roter Salon. A-B-A-B-A: from hear to here. Ein Film von Clara Jo Roter Salon. A-B-A-B-A: from hear to here (2014) Ein Film von Clara Jo Als Fortsetzung der Veranstaltung “Ishe get ‚um, OK Poetry”, die 2012 in Addis Abeba auf dem „Jan Meda“ Feld stattfand, nahmen Mitglieder der Poetic Jazz Group gemeinsam mit in Berlin ansässigen Dichtern, Künstlern, Übersetzer und Musikern an einem experimentellen Workshop teil, der zum Ziel hatte zeitgenössische Poesie-Praktiken zu transkribieren und zu übersetzen und wieder in performative Formate zu überführen. Der Film begeleitet diesen drei-tägigen Workshop und die anschließende Präsentation des Poetry Jazz Konzertes A-B-A-B-A: from hear to here, das im Juli 2014 im Roten Salon/Volksbühne in Berlin statt fand. — Die Veranstaltungsreihe A-B-A-B-A : from hear to here ist ein Kooperationsprojekt, initiiert vom Institut für Raumexperimente, Universität der Künste Berlin, im Rahmen des Projects Acting Archives. Choreographiert von Christina Werner und Eric Ellingsen; realisiert in Zusammenarbeit mit Palais Wittgenstein/Roter Salon an der Volksbühne Berlin; gefördert durch den Fonds TURN der Kulturstiftung des Bundes.

A-B-A-B-A : Übersetzungs-Workshop

11. - 16. Juli 2014 / Acting Archives, Kooperation, Workshop ⟶

A-B-A-B-A: from hear to here. Poetry Jazz at Roter Salon

19. Juli 2014 / Acting Archives, Kooperation, Workshop ⟶

Ishe get ‘um, OK Poetry

15. Dezember 2012 / Acting Archives, Kooperation, Ausstellung ⟶

poetry readings by Misrak Terefe, Vinzenz Reinecke, Demissew Mersha, Eric Ellingsen, Mihret Kebede, and Abebaw Melaku poetry readings by Misrak Terefe, Vinzenz Reinecke, Demissew Mersha, Eric Ellingsen, and Tadele Tewodros Mihret Kebede and Abebaw Melaku Ishe get ‘um, OK Poetry is an event bringing together poetry readings and performances, language experiments, and music, including contributions by Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Misrak Terefe, Abebaw Melaku, Demissew Mersha, Vinzenz Reinecke, Tadele Tewodros, and the Addis Taem Band. Organised by Eric Ellingsen and Mihret Kebede, the event takes place on occasion of Jan Meda – Großes Feld, an art festival hosted by the Institut für Raumexperimente, 13–15 December 2012, Addis Ababa, Ethiopia. Short biographies Eric Ellingsen co-directed the Institut für Raumexperimente at UdK, Berlin from 2009 to 2014. He established Species of Space in 2009 as a platform through which art, architecture, writing and performance can converge through spatial practices. He publishes creative and critical writing regularly, and gives performance/lectures. Some of his long-term projects involve collaborations with a retired police sketch artist, a Turkish shoe cobbler, translators, a sound engineer, a dance choreographer, an artist and a sign language instructor, and a food systems planner. Mihret Kebede is an artist, poet, and the founding director of the Netsa Art Village artist collective in Addis Ababa. Renowned for her poetry readings and experimental artworks, Kebede is a founding member of Tobiya Poetic Jazz Group and is featured on the Tobiya Poetic Jazz DVD, Vol.1. Abebaw Melaku is a poet and journalist. He is a founding member of Tobiya Poetic Jazz Group and a radio journalist affiliated with the Ethiopian radio show Addis Zema. He published a volume of poetry called Keradion in 2007 and an audio poetry CD in 2008. Demissew Mersha is an Ethiopian poet who has been active in the Addis Ababa poetry scene for over 13 years. He has contributed to different group publications with other writers and is featured on the Tobiya Poetic Jazz DVD, Vol.1. He is also a founding member of the Tobiya Poetic Jazz Group. Vinzenz Reinecke is an artist, writer, stonemason, poet, traveller, chess player, musician, and storyteller. Before he moved to Berlin to study at the Institut für Raumexperimente, he was a journeyman, travelling for three years and one day. During this time, he also worked for Canterbury Cathedral. Misrak Terefe is an Ethiopian poet and the first female poet to publish a poetry VCD. She has contributed to different group publications with other writers and is featured on the Tobiya Poetic Jazz DVD, Vol.1. She is also a founding member of Tobiya Poetic Jazz Group, having been involved with the organisation since 2008. Tadele Tewodros is an educator for hearing-impaired children, currently teaching at the Menelik Elementary School in Addis Ababa. Tewodros will graduate with an MA in Special Needs Education from Addis Ababa University in 2015. He performed his own poems using sign language during the event Ishe get ‘um, OK Poetry. Addis Taem Band, established by six young musicians in 2011, blends together the instruments and techniques of traditional and modern music. More recently, they have worked with Tobiya Poetic Jazz Group, and the band can be found performing in a variety of venues in both Addis Ababa and other parts of Ethiopia. Misrak Terefe, Vinzenz Reinecke, Demissew Mersha, Eric Ellingsen, Mihret Kebede und Abebaw Melaku Misrak Terefe, Vinzenz Reinecke, Demissew Mersha, Eric Ellingsen und Tadele Tewodros Mihret Kebede und Abebaw Melaku Ishe get ‘um, OK Poetry ist eine Veranstaltung die eine Kombination präsentiert aus Gedichtlesungen und Performances, Sprachexperimenten und Musik mit Beiträgen von Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Misrak Terefe, Abebaw Melaku, Demissew Mersha, Vinzenz Reinecke, Tadele Tewodros, und der Addis Taem Band. Die Veranstaltung ist ein Kooperationsprojekt von Eric Ellingsen und Mihret Kebede und findet im Rahmen des Festivals Jan Meda – Großes Feld statt. Kurzbiografien Eric Ellingsen war von 2009 bis 2014 Co-Direktor des Instituts für Raumexperimente an der UdK in Berlin. Er gründete im Jahr 2009 die Plattform Species of Space als einen Ort an dem Kunst, Architektur, Text und Performance durch räumliche Praktiken zueinander finden können. Er veröffentlicht regelmäßig kreative und kritische Texte und gibt Performances sowie Vorlesungen. Einige seiner Langzeitprojekte realisiert er in Zusammenarbeit mit einem Gerichtszeichner im Ruhestand, einem türkischen Schuster, Übersetzern, einem Tontechniker, einer Tanzchoreografin, einem Künstler und einem Lehrer für Zeichensprache sowie einer Ernährungssystemplanerin. Mihret Kebede ist eine Künstlerin, Dichterin und Gründungsdirektorin des Netsa Art Village Künstlerkollektivs in Addis Abeba. Sie ist für ihre Gedichtlesungen und experimentellen Kunstwerke bekannt und außerdem Gründungsmitglied der Tobiya Poetic Jazz Group, auf deren Platte Tobiya Poetic Jazz DVD, Vol.1. sie zu hören ist. Abebaw Melaku ist Dichter und Journalist. Er ist Gründungsmitglied der Tobiya Poetic Jazz Goup und arbeitet als Radiojournalist und moderiert regelmässig die Sendung „Addis Zema“. Er hat im Jahr 2007 einen Gedichtband mit dem Titel Keradion herausgegeben sowie eine Audio-CD mit Gedichten im Jahr 2008. Demissew Mersha ist ein äthiopischer Dichter und als solcher seit 13 Jahren in der Poesieszene Addis Abebas aktiv. Er hat zu verschiedenen Gruppenpublikationen beigetragen und ist auf der Tobiya Poetic Jazz DVD, Vol.1 zu hören. Er ist außerdem Gründungsmitglied der Tobiya Poetic Jazz Group. Vinzenz Reinecke ist Künstler, Schriftsteller, Bildhauer, Dichter, Reisender, Schachspieler, Musiker und Erzähler. Bevor er für ein Studium am Institut für Raumexperimente nach Berlin zog, war er permanent Reisender und als solcher drei Jahre und einen Tag unterwegs. Während dieser Zeit arbeitete er außerdem für die Canterbury Cathedral. Misrak Terefe ist die erste äthiopische Dichterin die eine VCD mit Gedichten herausbrachte. Sie trug zu verschiedenen Gruppenpublikationen bei und ist auf der Tobiya Poetic Jazz DVD, Vol.1. zu hören. Außerdem ist sie Gründungsmitglied der Tobiya Poetic Jazz Group mit der sie seit dem Jahr 2008 zusammenarbeitet. Tadele Tewodros ist Lehrer für Kinder mit Hörbehinderung und lehrt momentan an der Menelik Grundschule in Addis Abeba. Tewodros wird seinen MA in Special Needs Education an der Addis Abeba University im Jahr 2015 abschließen. Er performte seine eigenen Gedichte während des Event Ishe get ‘um, OK Poetry und setzte hierfür Zeichensprache ein. Addis Taem Band ist von sechs jungen Musikern im Jahr 2011 ins Leben gerufen und kombiniert Instrumente und Techniken der traditionellen und modernen Musik. Die Band tritt regelmäßig mit der Tobiya Poetic Jazz Group auf und spielt an zahlreichen Orten in Addis Abeba sowie in anderen Teilen Äthiopiens.

Molly Nesbit: Der Erzähler

19. - 21. Juni 2013 / Acting Archives, Dialog ⟶

June 19: PreparationInspiration and conversation with Christina Werner & Eric Ellingsen; Reading practice: Walter Benjamin: The Storyteller; Film secession: Chris Marker: Sans Soleil June 20: Molly Nesbit: The Storyteller. Part Iin conversation with Olafur Eliasson; Experiencing travel and narration. A Follow-up Conversation started in Addis Ababa; Referencing Walter Benjamin: The Storyteller and Chris Marker: Sans Soleil watch The Storyteller. Part I with Molly Nesbit, part I watch The Storyteller. Part I with Molly Nesbit, part II June 21: Molly Nesbit: The Storyteller. Part IIExperiencing travel and narration. A Follow-up Conversation started in Addis Abeba Referencing Walter Benjamin: The Storyteller and Chris Marker: Sans Soleil Film secession: Notes for an African Orestaia by Pier Paolo Pasolini watch The Storyteller. Part II with Molly Nesbit, part I watch The Storyteller. Part II with Molly Nesbit, part II June 21: Molly Nesbit: The Storyteller. Part IIIFilm Night and Korean barbecue Film screening of Nightless by Yuichiro Tamura and barbecue by Lynn Peemoeller and Anne Duk Hee Jordan at FIT (Freie Internationale Tankstelle) Barbecue by Lynn Peemoeller & Anne Duk Hee Jordan Film screening of Nightless by Yuichiro Tamura Molly Nesbit leads a three-day seminar The Storyteller, discussing various artistic methods for sharing experiences of travel through narration. Topics of discussion include Walter Benjamin’s essay The Storyteller: Observations on the Works of Nikolai Leskov as well as Chris Marker’s film Sans Soleil and Pier Paolo Pasolini’s film Notes Towards an African Orestes. Nesbit examines the aspects of narrating and storytelling found in these examples. The conversation with Olafur Eliasson, Christina Werner, Eric Ellingsen, and the participants draws on experiences from living and working in Addis Ababa from October to December 2012. Short biography Ausklappen... Molly Nesbit, chair and professor in the Department of Art at Vassar College and contributing editor of Artforum. She is the author of Atget’s Seven Albums (1992), Their Common Sense (2000), and The Pragmatism in the History of Art (2013), the first volume in a collection of her essays. Since 2002, together with Hans Ulrich Obrist and Rirkrit Tiravanija, she has tri-curated Utopia Station, an ongoing book, exhibition, seminar, website, and street project. RELATED READING MATERIAL Benjamin, Walter, „The Storyteller. Observations on the Works of Nikolai Leskov“, in: Michael W. Jennings u. a., Walter Benjamin. Selected Writing, 3, 1935–1938, Cambridge 2002, S. 144–166. 19. Juni: VorbereitungEinstimmung und Gespräche mit Christina Werner & Eric Ellingsen; Lektürepraxis: Walter Benjamin: Der Erzähler - Betrachtungen zum Werk Nikolai Lesskows; Filmvorführung: Chris Marker: Sans Soleil 20. Juni: Molly Nesbit: Der Erzähler. Teil Iim Gespräch mit Olafur Eliasson; Reisen erfahren und erzählen. Fortsetzung eines Gesprächs begonnen in Addis Abeba mithilfe von Walter Benjamins Der Erzähler und Chris Markers Sans Soleil Molly Nesbit: Der Erzähler. Teil I, ersten Teil anschauen Molly Nesbit: Der Erzähler. Teil I, zweiten Teil anschauen 21. Juni: Molly Nesbit: Der Erzähler. Teil IIReisen erfahren und erzählen. Fortsetzung eines Gesprächs begonnen in Addis Abeba mithilfe von Walter Benjamins Der Erzähler und Chris Markers Sans Soleil Filmvorführung: Notes for an African Orestaia von Pier Paolo Pasolini Molly Nesbit: Der Erzähler. Teil II, ersten Teil anschauen Molly Nesbit: Der Erzähler. Teil II, zweiten Teil anschauen 21. Juni: Molly Nesbit: Der Erzähler. Teil IIIFilmabend und Koreanisches Barbecue Vorführung von Nightless von Yuichiro Tamura und Barbecue von Lynn Peemoeller und Anne Duk Hee Jordan in der FIT (Freie Internationale Tankstelle) Barbecue von Lynn Peemoeller & Anne Duk Hee Jordan Filmvorführung Nightless von Yuichiro Tamura Molly Nesbit leitet das dreitägige Seminar The Storyteller. Sie thematisiert verschiedene künstlerische Formen mit denen Reiseerfahrungen narrativ geteilt werden können. Thematische Beispiele, die diskutiert werden, sind unter anderen Walter Benjamins Essay “Der Erzähler: Betrachtungen zum Werk Nikolai Leskows” sowie Chris Markers Film „Sans Soleil“ und Pier Paolo Pasolinis Film „Notizen für eine afrikanische Orestie“. Nesbit untersucht die narrativen Aspekte und Erzählweisen dieser Beispiele. Das Gespräch zwischen Olafur Eliasson, Christina Werner, Eric Ellingsen und den Teilnehmenden bezieht sich auf Lebens- und Arbeitserfahrungen in Addis Abeba von Oktober bis Dezember 2012.‘] Kurzbiografie Molly Nesbit ist Vorsitzende und Professorin der künstlerischen Fakultät am Vassar College und Redakteurin Artforum. Ausklappen... Molly Nesbit ist Vorsitzende und Professorin der künstlerischen Fakultät am Vassar College und Redakteurin bei Artforum. Sie ist Autorin von Atget’s Seven Albums (1992), Their Common Sense (2000), und The Pragmatism in the History of Art (2013). Sie kuratiert seit 2002 gemeinsam mit Hans Ulrich Obrist und Rirkrit Tiravanija Utopia Station, ein fortlaufendes Projekt das aus einer Publikation, Seminar, Website und Straßenprojekt besteht. LITERATURAUSWAHL Benjamin, Walter, „The Storyteller. Observations on the Works of Nikolai Leskov“, in: Michael W. Jennings u. a., Walter Benjamin. Selected Writing, 3, 1935–1938, Cambridge 2002, S. 144–166.

Jan Meda – Großes Feld

13. - 15. Dezember 2012 / Acting Archives, Kooperation, Ausstellung ⟶

The Institut für Raumexperimente hosts a three-day art festival at Jan Meda, the former horse race track in Addis Ababa. The exhibition includes works by artists from Addis Ababa and Berlin. By facilitating the collaborative engagement of a unique group of artists and cultural producers, the programme creates an atmosphere of experimentation, friction, and radical movement that challenges the norms by which we create art, live together, and, thus, produce reality. Works include pavilions installed in the field, video, painting, sculpture and photography, installations, performances, workshops for children, a light sound workshop, cooking experiments, a lecture and film program, and a poetry jazz event. Contributions by: AEAEAEAE, Malte Bartsch, Julius von Bismarck, Rune Bosse & Addis Ababa University Football Club, Merlin Carter, Julian Charrière, Leon Eixenberger, Leon Eixenberger, Eric Ellingsen, Tomas Espinosa, Henok Getachew, Tamrat Gezahegne, Andreas Greiner, Markus Hoffmann, Rike Horb, Clara Jo, Hans-Henning Korb, Mihret Kebede, Felix Kiessling, Fabian Knecht, Norgard Kröger, Robert Lippok, Felix Meyer, Simen Museus, Molly Nesbit, Lynn Peemoeller, Vinzenz Reinecke, Nina Schuiki, Robel Temesgen, Alkistis Thomidou, Raul Walch, Jonas Wendelin, Christina Werner, Euan Williams, Helen Zeru View exhibition website. Program: 13 December: Opening DayPerformances and walks by Eric Ellingsen, Simen Museus & Hans-Henning Korb, Henok Getachew, Rune Bosse & Robel Temesgen, Julian Charrière. 14 December: Film ScreeningVideo works by artists from Addis Abeba and Berlin: Eric Ellingsen, Fabian Knecht, Merlin Carter, Felix Meyer, Robel Temesgen, Raul Walch, and Jonas Wendelin 14 December: Conversation with Molly NesbitLecture at the exhibition Click to view the video documentation of Molly Nesbit’s lecture Doubts and Habits of Actions in Time. 15 December: Ishe get ‘um, OK PoetryPoetry readings and performances by Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Misrak Terefe, Abebaw Melaku, Demissew Mersha, Vinzenz Reinecke, Tadele Tewodros, and Addis Taem Band Click to view the video documentation of the poetry performances. Das Institut für Raumexperimente richtet ein dreitägiges Kunstfestival auf der früheren Pferderennbahn, Jan Meda, in Addis Abeba aus. Die Ausstellung zeigt Werke von Künstlern aus Addis Abeba und Berlin. So wird eine besondere Begegnung und Zusammenarbeit einer Gruppe von Künstlern und Kulturschaffenden ermöglicht. Hierdurch schafft das Festival eine experimentelle und spannungsgeladene Atmosphäre mit Offenheit für radikale Schritte. Normen nach denen wir Kunst machen, zusammen leben und Realität produzieren werden so in Frage gestellt. Die Arbeiten umfassen unter anderem Pavillons auf der Rennbahn, Video, Malerei, Skulptur und Fotografie, Installationen, Performances, Workshops für Kinder, einen Workshop mit Licht und Resonanz, Kochexperimente, ein Vorlesungs- und Filmprogramm sowie ein Jazz-Poetry Event. Mit Beiträgen von: AEAEAEAE, Malte Bartsch, Julius von Bismarck, Rune Bosse & Addis Ababa University Football Club, Merlin Carter, Julian Charrière, Leon Eixenberger, Leon Eixenberger, Eric Ellingsen, Tomas Espinosa, Henok Getachew, Tamrat Gezahegne, Andreas Greiner, Markus Hoffmann, Rike Horb, Clara Jo, Hans-Henning Korb, Mihret Kebede, Felix Kiessling, Fabian Knecht, Norgard Kröger, Robert Lippok, Felix Meyer, Simen Museus, Molly Nesbit, Lynn Peemoeller, Vinzenz Reinecke, Nina Schuiki, Robel Temesgen, Alkistis Thomidou, Raul Walch, Jonas Wendelin, Christina Werner, Euan Williams, Helen Zeru Website der Ausstellung besuchen. Programm: 13. Dezember: EröffnungPerformances und Walks von Eric Ellingsen, Simen Museus & Hans-Henning Korb, Henok Getachew, Rune Bosse & Robel Temesgen, Julian Charrière. 14. Dezember: FilmabendVideos von Künstlern aus Addis Abeba und Berlin: Eric Ellingsen, Fabian Knecht, Merlin Carter, Felix Meyer, Robel Temesgen, Raul Walch und Jonas Wendelin 14. Dezember: Molly Nesbit: Doubts and Habits of Actions in TimeVortrag in der Ausstellung Hier zur Videodokumentation des Vortrags von Molly Nesbit. 15 December: Ishe get ‘um, OK PoetryLesungen und Performances von Eric Ellingsen, Mihret Kebede, Misrak Terefe, Abebaw Melaku, Demissew Mersha, Vinzenz Reinecke, Tadele Tewodros und der Addis Taem Band Die Videodokumentation der Performances anschauen.

Addis Foto Fest 2012

08. - 09. Dezember 2012 / Acting Archives, Kooperation, Ausstellung ⟶

The Institut für Raumexperimente is invited to participate in the Addis Foto Fest 2012. Established in 2010, the Addis Foto Fest is a biennial photography festival directed by photographer Aida Muluneh. Produced by Desta for Africa (DFA), the weeklong international festival is held in Addis Ababa, Ethiopia, and features exhibitions, portfolio reviews, conferences, projections, and film screenings. The works contributed by the Institut für Raumexperimente are exhibited at the Alle School of Fine Art and Design, Addis Ababa University, with several interventions taking place in public space. Works and interventions by Malte Bartsch; Julius von Bismarck; Rune Bosse; Julian Charrière and Julius von Bismarck; Eric Ellingsen and Fabian Knecht; Leon Eixenberger; Leon Eixenberger and Hans-Henning Korb; Markus Hoffmann; Jonas Wendelin; Felix Kiessling; Fabian Knecht; Vinzenz Reinecke and Merlin Carter; Nina Schuiki; Raul Walch; and Christina Werner, Alkistis Thomidou, Helen Zeru and Norgard Kröger Das Institut für Raumexperimente ist eingeladen am Addis Foto Fest 2012 teilzunehmen. Gegründet im Jahr 2010 ist das Addis Foto Fest ein alle zwei Jahre stattfindendes Festival für Fotografie unter der Leitung der Fotografin Aida Muluneh. Das einwöchige Festival ist eine Produktion von Desta for Africa (DFA) und findet in Addis Abeba, Äthiopien statt. Teil des Programms sind Ausstellungen, Portfoliobesprechungen, Konferenzen, Projektionen und Filmvorführungen. Die Arbeiten des Instituts für Raumexperimente sind an der Alle School of Fine Art and Design der Addis Abeba University zu sehen. Mehrere Events finden außerdem im öffentlichen Raum statt. Arbeiten und Interventionen von Malte Bartsch; Julius von Bismarck; Rune Bosse; Julian Charrière und Julius von Bismarck; Eric Ellingsen und Fabian Knecht; Leon Eixenberger; Leon Eixenberger und Hans-Henning Korb; Markus Hoffmann; Jonas Wendelin; Felix Kiessling; Fabian Knecht; Vinzenz Reinecke und Merlin Carter; Nina Schuiki; Raul Walch; und Christina Werner, Alkistis Thomidou, Helen Zeru und Norgard Kröger

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A-B-A-B-A : from hear to here (album)

A-B-A-B-A : from here to hear. A film by Clara Jo

A Suite of Contemporary Ethiopian Poetry

Roter Salon. A-B-A-B-A: from hear to here. Ein Film von Clara Jo

A-B-A-B-A : Übersetzungs-Workshop

A-B-A-B-A: from hear to here. Poetry Jazz at Roter Salon

Ishe get ‘um, OK Poetry

Molly Nesbit: Der Erzähler

Jan Meda – Großes Feld

Addis Foto Fest 2012